Pablo Picasso

Picasso ist eine Weiterleitung auf diesen Artikel. Weitere Bedeutungen sind unter Picasso (Begriffsklärung) aufgeführt.

Pablo Picasso (1962)

Picassos Signatur

Pablo Ruiz Picasso (* 25. Oktober 1881 in Málaga, Spanien; † 8. April 1973 in Mougins, Frankreich, voller Name Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso) war ein spanischer Maler, Grafiker und Bildhauer. Sein umfangreiches Gesamtwerk umfasst Gemälde, Zeichnungen, Grafiken, Collagen, Plastiken und Keramiken, deren Gesamtzahl auf 50.000 geschätzt wird. Es ist geprägt durch eine große Vielfalt künstlerischer Ausdrucksformen und Techniken. Die Werke aus seiner Blauen und Rosa Periode und die Begründung des Kubismus zusammen mit Georges Braque bilden den Beginn seiner außerordentlichen Künstlerlaufbahn.

Zu den bekanntesten Werken Picassos gehört das Gemälde Les Demoiselles d’Avignon (1907). Es avancierte zum Schlüsselbild der Klassischen Moderne.[1] Mit Ausnahme des monumentalen Gemäldes Guernica (1937), einer künstlerischen Umsetzung der Schrecken des Spanischen Bürgerkriegs, hat kein anderes Kunstwerk des 20. Jahrhunderts die Forschung so herausgefordert wie die Demoiselles.[1] Das Motiv der Taube auf dem Plakat, das er im Jahr 1949 für den Pariser Weltfriedenskongress entwarf, wurde weltweit zum Friedenssymbol.

Umfassende Sammlungen von Picasso werden in Museen in Paris, Barcelona und Madrid gezeigt. Er ist mit Werken in vielen bedeutenden Kunstmuseen der Welt, die die Kunst des 20. Jahrhunderts ausstellen, prominent vertreten. Das Museu Picasso in Barcelona und das Musée Picasso in Antibes entstanden bereits zu Lebzeiten.

Inhaltsverzeichnis

- 1Leben

- 1.1Kindheit und Ausbildung (1881–1900)

- 1.1.1Frühe Jahre

- 1.1.2Studium

- 1.1.3Erste Einzelausstellung im „Els Quatre Gats“

- 1.2Paris – Madrid – Barcelona – Paris (1901–1907)

- 1.2.1Tod Casagemas – Beginn der Blauen Periode

- 1.2.2Picassos Atelier im Bateau-Lavoir

- 1.2.3Bekanntschaft mit Gertrude und Leo Stein sowie mit Matisse

- 1.2.4Beginn der Rosa Periode und Les Demoiselles d’Avignon

- 1.3Picasso begründet mit Braque den Kubismus (1908–1914)

- 1.3.1Zusammenarbeit mit Braque

- 1.3.2Das Bankett für Rousseau

- 1.3.3Distanzierung von den Salonkubisten

- 1.3.4Der Raub der Mona Lisa

- 1.3.5Erste Ausstellungen von Picassos Werken im Ausland

- 1.4Zeit des Ersten Weltkriegs (1914–1918)

- 1.5Abkehr von den Kubisten (1916–1924)

- 1.6Auseinandersetzung mit dem Surrealismus (1924–1936)

- 1.6.1Beteiligung und Konflikte

- 1.6.2Familiäre Probleme

- 1.7Stellungnahmen zum Spanischen Bürgerkrieg – Guernica (1936–1939)

- 1.8Zeit des Zweiten Weltkriegs (1940–1945)

- 1.9Die späteren Jahre (1945–1973)

- 1.9.1Vallauris und Cannes

- 1.9.2Erwerb von Schloss Vauvenargues

- 1.9.3Letzter Wohnort Mougins und Tod

- 1.10Picassos Kinder

- 2Werk

- 2.1Malerei

- 2.1.1Werk der Jugend (1889–1897)

- 2.1.2Jahre der Orientierung (1898–1901)

- 2.1.3Blaue Periode (1901–1904)

- 2.1.4Rosa Periode (1904–1906)

- 2.1.5Les Demoiselles d’Avignon und période nègre (1907–1908)

- 2.1.6Kubismus (1908–1916)

- 2.1.7Stilistisches Nebeneinander (1916–1924)

- 2.1.8Auseinandersetzung mit dem Surrealismus (1925–1936)

- 2.1.9Guernica (1937)

- 2.1.10Spätwerk nach 1945

- 2.2Bildhauerei

- 2.3Druckgrafik

- 2.4Weitere Werkgattungen

- 2.5Literarisches Werk

- 3Rezeption

- 3.1Zeugnisse von Zeitgenossen

- 3.2Beziehung zu Matisse

- 3.3Der Mythos Picasso – „Picasso und die Mythen“

- 3.4„Hommage à Picasso“

- 3.5Neubewertung von Picassos Spätwerk

- 3.6Film und Theater

- 3.7Kunstmarkt

- 3.8„Picasso-Fund“ 2010

- 3.9Diebstähle

- 3.10Tourismus

- 3.11Astronomie

- 4Ausstellungen (Auswahl)

- 5Werke (Auswahl)

- 6Sammlungen in Museen

- 7Literatur

- 8Weblinks

- 9Abbildungen

- 10Einzelnachweise

Leben

Kindheit und Ausbildung (1881–1900)

Frühe Jahre

Geburtshaus Picassos in Málaga, Plaza de la Merced 36 (ganz links, gegenwärtig Nr. 15). Heute befindet sich in dem Haus die Fundación Picasso mit dem Museo Casa Natal.

Pablo Ruiz Picasso war das erste Kind von José Ruiz Blasco (1838–1913) und María Picasso y López (1855–1938). Der traditionellen Namensgebung in Málaga folgend[2] erhielt er bei seiner Geburt im Jahr 1881 eine Vielzahl von Vornamen: Pablo, Diego, José, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, María de los Remedios, Crispiniano de la Santísima Trinidad,[3] von denen lediglich Pablo (eine Reverenz an Blascos kurz vor dem ursprünglichen Hochzeitstermin verstorbenen älteren Bruder) gebräuchlich wurde.

Von Picassos Vater José Ruiz Blasco gemalte Tauben

Der Vater war freischaffender Maler und Lehrer an der „Escuela de San Telmo“, einer Kunstgewerbeschule, die in der Tradition der akademischen Malerei des 19. Jahrhunderts stand, sowie Konservator eines kleinen Museums. 1884 wurde seine Schwester Dolores (Lola) und 1887 seine Schwester Concepción (Conchita) geboren.

Picasso beschrieb die künstlerischen Fähigkeiten des Vaters: „Mein Vater malte Bilder für Esszimmer; Rebhühner oder Tauben, Tauben und Kaninchen: Fell und Federn waren darauf zu sehen, Vögel und Blumen seine Spezialität. Vor allem Tauben und Flieder.“[4] Bereits im Alter von sieben Jahren begann er unter Anleitung seines Vaters zu malen. Er vollendete 1890 das 1889 begonnene Ölbild Picador, das einen Stierkämpfer in der Arena zeigt und das als sein erstes bekanntes Ölgemälde gilt.[5]

Pablo Picasso mit Schwester Lola, 1889

1891 zog die Familie nach A Coruña in Galicien um, wo Picassos Vater eine Stelle als Kunstlehrer am „Instituto da Guarda“ angenommen hatte. Picasso wurde dort als Zehnjähriger an der Schule für Bildende Künste aufgenommen. Ab 1894 begann er Tagebücher zu führen, die er La Coruña und Azul y Blanco („Blau und Weiß“) nannte und mit Porträts und Karikaturen illustrierte. Im selben Jahr begann er seine Werke mit „P. Ruiz“ zu signieren.

Studium

Nach dem Tod der Schwester Conchita, die im Januar 1895 an Diphtherie starb,[6] zog die Familie nach Barcelona, wo Picasso mühelos mit 14 Jahren die Aufnahmeprüfung an der Kunstakademie „La Llotja“ in nur einem Tag schaffte – seinem Vater wurde dort eine Stelle als Lehrer angeboten – sodass er die ersten zwei Klassen überspringen durfte. Der Vater richtete ihm ein Jahr später sein erstes Atelier in der Nähe der elterlichen Wohnung ein, das Picasso gemeinsam mit seinem Freund Manuel Pallarès, einem katalanischen Maler, nutzte.[7]

1897 studierte Picasso für kurze Zeit an der angesehenen Königlichen Akademie von San Fernando in der Hauptstadt Madrid, die er jedoch wieder verließ, weil ihm die dortigen Lehrmethoden missfielen. In seinem Selbstbildnis von 1897/98 änderte er die Signatur „Ruiz“ erstmals zu „P. Picasso“ – ein Symbol für die innere Loslösung vom Elternhaus. In Madrid besuchte Picasso die Museen, vor allem den Prado – wie schon auf einem Besuch 1895 – und die Künstlerlokale.

Erste Einzelausstellung im „Els Quatre Gats“

Ramon Casas: Pablo Picasso, 1900, Museu Nacional d’Art de Catalunya

Nach einer Scharlach-Erkrankung, die ihn zur Rekonvaleszenz in Horta de Sant Joan (Katalonien) zwang, kehrte er 1898 nach Barcelona zurück. Hier verkehrte er in avantgardistischen Künstlerkreisen des katalanischen Modernisme, unter anderem mit Ramon Casas, Carlos Casagemas, Isidre Nonell, Ramon Pichot i Gironès und Santiago Rusiñol, die sich im Café und Künstlerzentrum Els Quatre Gats trafen.

Ab Juni 1898 verbrachte er acht Monate mit seinem Malerfreund Manuel Pallarès (1876–1974) in dessen Heimatstadt Horta de Sant Joan. 1899 lernte er den Dichter Jaime Sabartés kennen, der sein enger Freund und 1935 sein Sekretär werden sollte.

Im Februar 1900 wurde im „Els Quatre Gats“ die erste Einzelausstellung Picassos gezeigt, die jedoch, kritisch rezensiert, nur zu einem mäßigen Verkaufserfolg führte.[8] Im selben Jahr unternahm Picasso anlässlich der Weltausstellung gemeinsam mit seinem Freund Casagemas eine erste Reise in die Kunstmetropole Paris, wo ihn die impressionistischen Werke von Paul Cézanne, Edgar Degas und Pierre Bonnard beeindruckten. Er teilte im Oktober mit Casagemas zeitweise ein Atelier am Montmartre an der Adresse 49 Rue Gabrielle, das Nonell aufgegeben hatte.[9] Zu dieser Zeit lernte er die Arbeiten von Henri de Toulouse-Lautrec kennen, die ihn zu farbenfrohen Darstellungen des großstädtischen Lebens inspirierten.

Paris – Madrid – Barcelona – Paris (1901–1907)

Tod Casagemas – Beginn der Blauen Periode

Im Januar 1901 kehrte Picasso nach Madrid zurück. Er erhielt eine Nachricht, die ihn tief erschütterte: Sein Freund Carlos Casagemas hatte sich am 17. Februar aus enttäuschter Liebe zu der Tänzerin Germaine Gargallo in Paris erschossen.

Picasso versuchte sich in Madrid an einer neuen Karriere: ab März des Jahres erschien das erste von insgesamt fünf Heften der Kunstzeitschrift Arte Joven (Junge Kunst), herausgegeben von dem katalanischen Schriftsteller Francisco de Assis Soler, die Picasso als Mitherausgeber mit Illustrationen versah. Seine Signatur änderte sich erneut, er signierte nur noch mit „Picasso“. Die Zeitschrift musste jedoch nach kurzer Zeit aus finanziellen Gründen eingestellt werden. Picasso verließ nach der Einstellung von Arte Joven Madrid und kehrte nach Barcelona zurück. Zwei Jahre später schuf er ein Porträt des Schriftstellers.[10]

Paul Cézanne: Porträt des Ambroise Vollard, 1899

Im Mai besuchte der aufstrebende Künstler wiederum Paris. Sein erster Kunsthändler Pere Mañach, bei dem er logierte, die Galeristin Berthe Weill und vor allem der Kunsthändler und Verleger Ambroise Vollard bemühten sich um den vielversprechenden jungen Künstler. Ab dem 24. Juni 1901 zeigte Vollard in seiner Galerie, 6 Rue Laffite, Picassos Werke erstmals in einer Pariser Ausstellung und wurde sein Förderer in Picassos Blauer und Rosa Periode. Dem nachfolgenden kubistischen Werk stand er nicht so positiv gegenüber. Picassos kubistisches Porträt von Vollard entstand 1910.[Bild 1]

Picasso widmete 1901 seinem Freund Casagemas das Bild Evokation – Das Begräbnis Casagemas. Es gilt als das erste Bild der Blauen Periode. Casagemas’ Porträt ist ebenfalls in der männlichen Figur des melancholischen Gemäldes aus dem Jahr 1903, La Vie (Das Leben) dargestellt. Die Werke aus dieser Zeit brachten dem Künstler mehr Zustimmung von Galeristen und Kritikern ein als seine früheren Bilder. Ein Freund Gauguins, der Dichter Charles Morice, sah in einer Besprechung die „unfruchtbare Traurigkeit“, bescheinigte Picasso dennoch ein „wahres Talent“.[11]

Im Oktober 1902 kehrte Picasso zum dritten Mal nach Paris zurück und wohnte erst in Hotels, hiernach bei dem Dichter Max Jacob, der als Gehilfe in einem Modegeschäft arbeiten musste. Im Winter heizten die Freunde mit Picassos Zeichnungen den Raum, weil Geld für Heizmaterial fehlte, aus demselben Grund benutzte Picasso Leuchtpetroleum statt Öl zum Malen und sparte an Bindemitteln.[12]

Picassos Atelier im Bateau-Lavoir

Pablo Picasso, 1904

Im Jahr 1903 arbeitete Picasso sehr produktiv in Barcelona, kehrte jedoch wieder nach Paris zurück, wo er ab April 1904 bis zum Oktober 1909 im Bateau-Lavoir wohnte. Dieses war ein verwahrlostes Haus mit zahlreichen Künstlerateliers auf dem Montmartre. Dort hatten schon der mit Picasso befreundete spanische Bildhauer Paco Durrio und der Maler Kees van Dongen Unterkunft gefunden. Später kamen unter anderem Max Jacob und Juan Gris hinzu.

Fernande Olivier, 1906

Er schloss mit dem Dichter Guillaume Apollinaire Freundschaft und lernte 1904 Fernande Olivier kennen, die von 1905 bis 1912 seine Begleiterin und Muse wurde. Fernande war eine aus kleinbürgerlichen Verhältnissen stammende geschiedene Frau, die sich für die Malerei der Impressionisten begeisterte. Über die Begegnung mit Picasso berichtet sie in ihren Erinnerungen Picasso et ses amis, erschienen 1933:

„Er hatte nichts Verführerisches, wenn man ihn nicht kannte. Allerdings, sein seltsam eindringlicher Blick erzwang die Aufmerksamkeit […] dieses innere Feuer, das man in ihm spürte, verliehen ihm eine Art Magnetismus, dem ich nicht widerstand. Und als er mich kennenzulernen wünschte, wollte ich es auch.“[13]

Fernande Olivier bildete er unter anderem in dem Ölgemälde La Toilette im Jahr 1906 ab oder 1909 in Bronze gegossen als Tête de femme.[14] Die Unterkunft im Bateau-Lavoir war kärglich. Picassos Kunsthändler Kahnweiler erinnert sich an das eiskalte und zugige Atelier im Winter und berichtet, dass im Sommer, „wenn es zu heiß war, Picasso bei geöffneten Türen völlig nackt im Korridor mit nur einem Tuch um die Lenden arbeitete.“[13]

Bekanntschaft mit Gertrude und Leo Stein sowie mit Matisse

Gertrude Stein, Fotografie von Carl van Vechten, 1935

Clovis Sagot, ein früherer Zirkusclown, hatte in einer ehemaligen Apotheke in der Rue Laffitte eine Galerie eingerichtet. Dort entdeckte der in Paris lebende US-amerikanische Kunstsammler Leo Stein, der Bruder der Dichterin und Kunstsammlerin Gertrude Stein, 1905 Picassos Gemälde. Das erste Bild des Künstlers, das Leo Stein kaufte, Junges Mädchen mit dem Blumenkorb, gefiel seiner Schwester nicht. Als Picasso die Geschwister bei Sagot kennengelernt hatte, lud er sie in sein Atelier ein und konnte ihnen Bilder für 800 Francs verkaufen, die auch Gertrude Steins Interesse weckten.

Die Steins gaben regelmäßig in ihrem Salon nahe dem Jardin du Luxembourg in der 27 Rue de Fleurus am Samstag Gesellschaften, wo sich die Künstler der Avantgarde trafen, zu denen fortan ebenfalls Picasso gehörte, der dort im Jahr 1906 Henri Matisse traf und Freundschaft mit ihm schloss.[15] Im Salon d’Automne hatten die Fauves, zu denen Matisse gehörte, mit ihrer ersten Gemeinschaftsausstellung im Vorjahr auf sich aufmerksam gemacht.

Der Galerist Vollard kaufte Picasso bald darauf Werke für 2000 Franc ab, was seine finanzielle Situation wesentlich verbesserte. Sein Bildnis Gertrude Stein entstand im Jahr 1906, für das die Schriftstellerin bis zu neunzigmal Modell gesessen haben soll. Im Frühjahr brach Picasso die Porträtsitzungen mit Gertrude Stein ab. Er traf Derain durch Vermittlung von Alice Princet. Im Sommer desselben Jahres hielt er sich mit Fernande Olivier in Gósol auf. Als er wieder nach Paris zurückkehrte, vollendete Picasso das Porträt Gertrude Steins aus dem Gedächtnis und reduzierte die Gesichtszüge auf die Schlichtheit iberischer Masken.[16]

Beginn der Rosa Periode und Les Demoiselles d’Avignon

Ab 1905 beginnen rosa Töne in Picassos Werken vorzuherrschen. So bildet das Gemälde Junge mit Pfeife aus dem Jahr 1905 den Übergang von der Blauen zur Rosa Periode. Im Vergleich zur Blauen Periode gibt es nur noch wenig Melancholie in den Werken dieser Periode. Das Blau weicht in den Hintergrund. Besonders Gaukler, Seiltänzer und Harlekins, traurige Spaßmacher aus der Commedia dell’arte, zählen zu seinen Bildmotiven.

Seit dem Winter des Jahres 1906 bereitete Picasso in zahlreichen Studien und Variationen das große Gemälde Les Demoiselles d’Avignon vor, das er im Juli 1907 beendete. Mit den Demoiselles legte er den Grundstein kubistischen Denkens und leitete die als „période nègre“ bezeichnete Periode ein.[17]

Georges Braque, 1908

Die ersten Reaktionen bei der Begegnung mit den Demoiselles in Picassos Atelier waren überwiegend negativ. Das Bild wurde weitgehend als unmoralisch angesehen und von vielen, selbst engen Freunden Picassos, heftig kritisiert. Neben Wilhelm Uhde hatte nur Leo Stein zunächst Verständnis für die Demoiselles aufgebracht, kaufte seine neuen Werke jedoch nicht mehr. Die Künstler des Fauvismus, Matisse und Derain, äußerten ihr Missfallen. Gertrude Stein förderte Picasso weiter und näherte sich in ihrem literarischen Ausdruck dem Kubismus. Im Jahr 1938 schrieb sie eine Broschüre über Picasso.[18]

Wilhelm Uhde machte den jungen deutschen Galeristen Daniel-Henry Kahnweiler, der in der Rue Vignon 28 seine erste Galerie eröffnet hatte, auf Picasso aufmerksam. Kahnweiler wurde sein wichtigster Förderer und stellte im selben Jahr Picassos Werke aus.[19] Picasso hatte die große Retrospektive von Paul Cézannes Werken 1907 im Pariser Salon d’Automne besucht, die ein Jahr nach dem Tod des Künstlers ausgerichtet worden war. Durch Apollinaire lernte Picasso den gleichaltrigen fauvistischen Maler Georges Braque gegen Ende des Jahres kennen; die Freundschaft mit Braque sollte große Auswirkungen auf den Verlauf der modernen Kunstgeschichte haben.

Picasso begründet mit Braque den Kubismus (1908–1914)

Zusammenarbeit mit Braque

Juan Gris: Hommage à Picasso, 1912, Art Institute of Chicago, Chicago

Den Sommer 1908 verbrachte Picasso mit Fernande Olivier in La Rue-des-Bois nördlich von Paris. Im Herbst desselben Jahres verglichen Braque und Picasso ihre im Sommer geschaffenen Bilder – Braque in L’Estaque und Picasso in La Rue-des-Bois. Sie waren merkwürdig ähnlich.[20] Braque stellte im Gegensatz zu Picasso im November des Jahres seine Werke in der Galerie Kahnweiler aus. In der Besprechung zur Ausstellung der Bilder Braques prägte der französische Kunstkritiker Louis Vauxcelles in der Kunstzeitschrift Gil Blas zum ersten Mal den Begriff der „cubes“ (Kuben).[21] Vauxcelles bezog sich dabei im Besonderen auf das Gemälde Braques Häuser in L’Estaque.[22]

Zwischen September 1908 und Mai 1909 sahen sich Picasso und Braque beinahe täglich; Kahnweiler war der Dritte im Bunde und vermittelte zwischen den vom Naturell her sehr unterschiedlichen Künstlern, dem besonnenen, systematisch arbeitenden Braque und dem temperamentvollen Picasso. Ihre Arbeitsgemeinschaft war so intensiv, dass sich die Künstler mit den Brüdern Wright, den Flugpionieren, verglichen und sich wie Mechaniker kleideten.[23]

Ebenfalls 1908 war der spanische Maler Juan Gris in das Bateau-Lavoir gezogen, wo er Ateliernachbar von Picasso wurde. Nachdem er 1911 begonnen hatte, sich mit dem Kubismus auseinanderzusetzen, entstand im Jahr 1912 das kubistische Porträt Hommage à Picasso von Gris.[24]

Das Bankett für Rousseau

Henri Rousseau: Portrait de femme, auch Yadwigha genannt, um 1895, Musée Picasso, Paris

Im November 1908 gab Picasso in seinem Atelier im Bateau-Lavoir ein großes Fest zu Ehren Henri Rousseaus, von dem er das lebensgroße Bildnis einer früheren Freundin Rousseaus, die sogenannte Yadwigha, erworben hatte und das er sein Leben lang behalten sollte. Über das kunsthistorisch bekannt gewordene Bankett für Rousseau, an dem neben vielen anderen Künstlern Apollinaire, Jacob, Salmon, Uhde und den Geschwistern Stein ferner die junge Malerin Marie Laurencin teilnahm, berichtete Raynal als Augenzeuge: „Es war eine richtige Scheune. […] An den Mauern, die man von ihrem gewöhnlichen Schmuck befreit hatte, hingen nur einige schöne Negermasken, eine Münztabelle und auf dem Ehrenplatz das große, von Rousseau gemalte Porträt Yadwigha“.[25] Nicht lange nach dem Bankett verließ Picasso im Jahr 1909 das Bateau-Lavoir und wohnte bis 1912 in einer Atelierwohnung am Boulevard de Clichy 130.

Distanzierung von den Salonkubisten

Fernand Léger und Robert Delaunay lernten die Arbeiten Picassos und Braques durch Vermittlung von Kahnweiler kennen. Die Einflüsse Picassos und Braques machten sich von nun an in den Bildwerken vieler Maler bemerkbar. Es bildete sich 1911 eine Gruppierung von Malern, die als Salonkubisten bezeichnet wurden. Zu ihnen zählen neben Léger und Delaunay die Künstler Albert Gleizes, Jean Metzinger und Henri Le Fauconnier. Picasso und Braque distanzierten sich von den Salonkubisten.

Der Raub der Mona Lisa

→ Hauptartikel: Guillaume Apollinaire – Unter Verdacht

Im Sommer 1911 gerieten die Freunde Apollinaire und Picasso in den Verdacht, am Diebstahl des bekanntesten Gemäldes des Louvre, der Mona Lisa, beteiligt zu sein. Sie war am 21. August 1911 spurlos verschwunden, und beide gerieten in das Visier der Polizei durch den Besitz von iberischen Steinmasken, die über Géry Pieret – ein belgischer Abenteurer und zeitweise Angestellter Apollinaires – erworben worden waren. Nach einer Hausdurchsuchung wurde Apollinaire am 8. September wegen Beherbergung eines Kriminellen und Verwahrung von Diebesgut verhaftet; er verriet nach zwei Tagen Picassos Beteiligung.[26] Dieser wurde zwar verhört, aber nicht arretiert. Apollinaire wurde wenige Tage später aus der Haft entlassen und der Prozess gegen ihn im Januar 1912 aus Mangel an Beweisen eingestellt. Die Mona Lisa tauchte erst wieder am 13. Dezember 1913 in Florenz auf und kehrte am 1. Januar 1914 in den Louvre zurück.[27] Der Dieb war Vincenzo Peruggia, ein Bildeinrahmer des Louvre.

Erste Ausstellungen von Picassos Werken im Ausland

Die frühe Phase des Kubismus bis etwa 1912 wird als „Analytischer Kubismus“ bezeichnet. Ein Beispiel hierfür ist das Bildnis Ambroise Vollard (1910). Ab dem Jahr 1912 entstanden die Papiers collés, eine Frühform der Collagen. Der Übergang zum „Synthetischen Kubismus“ hatte begonnen.

Picasso vor seinem Gemälde Der Aficionado (Kunstmuseum Basel) in der Villa les Clochettes, Sommer 1912

Picassos Werke wurden allmählich im Ausland bekannt. In Deutschland war Picasso 1910 auf der Ausstellung der Neuen Künstlervereinigung München vertreten sowie auf der im Mai 1912 eröffneten Ausstellung des Sonderbundes in Köln und in Herwarth Waldens Galerie Der Sturm in Berlin. Vier von Picassos Werken wurden im selben Jahr in die zweite Ausstellung des Blauen Reiter in der Münchner Galerie Goltz aufgenommen: Frauenkopf (1902), Umarmung (1903), Kopf (1909) und Stillleben (1910).[28] 1913 fand die erste größere Retrospektive in der Modernen Galerie von Heinrich Thannhauser in München statt.[29]

Ab November 1910 zeigte die von Roger Fry in London organisierte Ausstellung Manet and the Post-Impressionists unter anderem Gemälde, Zeichnungen und Drucke Picassos, ebenso eine Nachfolgeausstellung 1912.[30]

In Übersee war die neue Kunstrichtung nach einer erstmaligen Ausstellung Picassos im Jahr 1911 in Alfred Stieglitz’ Galerie 291 ebenfalls in der Armory Show, New York, 1913 vertreten, in der beispielsweise Werke von Braque, Picasso und Matisse ausgestellt wurden. Gezeigt wurden von Pablo Picasso acht Arbeiten, darunter zwei Stillleben, die Zeichnung Frauenakt von 1910, Frau mit Senftopf von 1910, eine Leihgabe von Kahnweiler, und die Bronze Frauenkopf von 1909, eine Leihgabe von Stieglitz.[31][32] Die Kritik bei allen Ausstellungen war jedoch beträchtlich, die moderne Kunst wurde noch nicht akzeptiert.

Als Picassos Liaison mit Fernande Olivier im Jahr 1912 zerbrach, wurde Eva Gouel, geborene Marcelle Humbert, die er Eva nannte, seine zweite Lebensgefährtin bis zu ihrem frühen Tod 1915. Den Sommer des Jahres 1913 verbrachte Picasso mit Braque und Juan Gris in Céret. Im selben Jahr starb sein Vater. Seinen Wohnsitz schlug er in der Rue Schoelcher 5 am Montparnasse auf, nachdem er 1912 kurzfristig am Boulevard Raspail 242 gewohnt hatte.

Zeit des Ersten Weltkriegs (1914–1918)

Modigliani, Picasso und André Salmon vor dem Café de la Rotonde, Paris, im Jahr 1916

Picasso verbrachte die Zeit von Ende Juni bis Mitte November 1914 mit Eva Gouel in Avignon. Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs änderte sich die Situation für viele Künstler schlagartig. Am 2. August 1914 begleitete Picasso Braque und Derain, die ihren Gestellungsbefehl erhalten hatten, zum Bahnhof in Avignon. Braque erlitt 1915 eine schwere Kopfverletzung und brauchte nach überstandener Operation länger als ein Jahr, um davon zu genesen. Ihr Kunsthändler Kahnweiler, der Deutscher war, musste Frankreich verlassen; Picasso, der als Spanier keinen Kriegsdienst leisten musste, blieb in Paris ohne seine Freunde zurück.[33]

Im Juli 1916 organisierte André Salmon eine Ausstellung, L’Art moderne en France (der so genannte „Salon d’Antin“), in der Pariser Galerie Barbazanges. Dort wurde Picassos Werk Les Demoiselles d’Avignon zum ersten Mal der Öffentlichkeit vorgestellt; das Gemälde erhielt erst zu diesem Zeitpunkt von Salmon diesen Namen.[34]

Amedeo Modigliani: Portrait de Pablo Picasso, 1915, Privatsammlung. Der erste Besitzer war Frank Burty Haviland, ein Freund Picassos.[35]

Nach dem Tod von Eva Gouel, die 1915 an Tuberkulose starb, hatte Picasso eine Affäre mit Gabrielle Lespinasse, die er Gaby nannte. Sie wohnte am Boulevard Raspail nahe seinem Studio. Während eines Aufenthalts in Saint-Tropez im Jahr 1916 erklärte er ihr seine Liebe, sie wies ihn jedoch ab und heiratete im folgenden Jahr den amerikanischen Künstler Herbert Lespinasse.[36] Im Oktober 1916 zog er nach Montrouge bei Paris.[37] Im Frühjahr 1917 wohnte Picasso in Rom den Proben des Ensembles Ballets Russes unter der Leitung von Sergei Djagilew zum Ballett Parade mit dem Libretto von Jean Cocteau und der Musik von Erik Satie bei. Er entwarf die Kostüme, Bühnenbilder und den aus der Reihe fallenden klassisch romantischen Bühnenvorhang. Der sowjetische Schriftsteller Ilja Ehrenburg, der in Paris im Exil lebte, beschrieb die spektakuläre Premiere im Mai 1917 im Pariser Théâtre du Châtelet und den Aufruhr des Publikums, das den Abbruch der Vorstellung forderte: „Die Musik gab sich modern, das Bühnenbild war halb kubistisch […] Und als ein Pferd mit kubistischer Schnauze Zirkusnummer vorführte, verloren sie endgültig die Geduld: ‚Tod den Russen! Picasso ist ein Boche! Die Russen sind Boches!‘“ Picassos Freunde jedoch waren begeistert. Apollinaire beispielsweise betrachtete die erstmalige künstlerische Allianz zwischen Malerei und Tanz, Plastik und Darstellungskunst als Beginn einer umfassenden Kunst, als eine Art „sur-réalisme“.[38]

Olga Chochlowa in Picassos Atelier, Montrouge, Frühjahr 1918

Während der Arbeiten zu Parade lernte Picasso die Tänzerin Olga Stepanowna Chochlowa, Primaballerina des „Ballets Russes“, kennen, die er am 12. Juli 1918 in Paris heiratete. Trauzeugen waren Cocteau, Max Jacob und Apollinaire. Das Ehepaar bezog im Dezember eine Wohnung in der Rue La Boétie 23.[39] Nach der Heirat gab er sein Bohèmeleben auf und wurde zum „Malerfürsten“ mit eigenem Chauffeur und Hauspersonal. Aus der Ehe ging Sohn Paulo hervor.

Nach Kahnweiler wurde Picasso ab 1918 von den Kunsthändlern Paul Rosenberg und Georges Wildenstein gemeinsam weltweit vertreten. Sie kauften jedes Jahr eine nennenswerte Anzahl seiner Bilder. Die Verbindung Picassos zu Rosenberg dauerte bis zum Jahr 1939, die zu Wildenstein bis 1932.[40]

Abkehr von den Kubisten (1916–1924)

Bereits 1914 begann sich Picasso von dem Kreis der Kubisten zu entfernen. Er erinnerte sich an diesen Abschied und äußerte: „Aus dem Kubismus hat man eine Art Körperkultur machen wollen. […] Daraus ist eine verkünstelte Kunst hervorgegangen, ohne echte Beziehung zur logischen Arbeit, die ich zu tun trachte.“[41]

Von 1916 bis 1924 zeigt sein Werk ein stilistisches Nebeneinander. Neben klassizistischen Gemälden wie Drei Frauen am Brunnen aus dem Jahr 1921, gemalt in Fontainebleau, und Panflöte, 1923, gemalt in seinem Ferienort Antibes, entstanden Arbeiten im Stil des synthetischen Kubismus, wie beispielsweise Drei Musikanten aus dem Jahr 1921.

Picasso konnte dank seines gewachsenen Ruhms mehr Zeit für die Entwicklung seiner Formensprache nutzen. Er experimentierte viel und legte einen neuen Schwerpunkt auf sein plastisches Werk, das er 1902 mit Sitzende Frau eröffnet hatte. Gleichzeitig entfremdete er sich von seiner Frau Olga.

Auseinandersetzung mit dem Surrealismus (1924–1936)

Beteiligung und Konflikte

Paris, Montmartre, um 1925

Im Jahr 1923 traf Picasso den Surrealisten André Breton. Bereits in der ersten Nummer der surrealistischen Zeitschrift La Révolution surréaliste vom Dezember 1924 wurde eine plastische Konstruktion Picassos reproduziert. In der zweiten Nummer vom Januar 1925 zwei Seiten aus dem im Sommer 1924 in Juan-les-Pins geführten Skizzenbuch mit den Sternzeichnungen. In der vierten Ausgabe erschien eine Abbildung von Picassos Gemälde Les Trois Danseuses (Die drei Tänzerinnen)[Bild 2] und – erstmals in Frankreich – von den Demoiselles d’Avignon.[42]

Der langjährige Kontakt mit den Surrealisten war jedoch nicht konfliktfrei. Als 1924 Eric Saties Ballett Les Aventures de Mercure mit dem Bühnenbild und den Kostümen von Picasso aufgeführt wurde, protestierten mehrere Surrealisten gegen Picassos Mitwirkung und nannten das Ereignis eine Wohltätigkeitsveranstaltung für die internationale Aristokratie.[42] André Breton, Louis Aragon und andere Surrealisten, die von Picassos Einfallsreichtum beeindruckt waren, veröffentlichten daraufhin im Paris-Journal eine als Hommage à Picasso deklarierte Entschuldigung.[42] Andererseits beschuldigte Picasso 1926 die Surrealisten in einer ausführlichen Stellungnahme zu den Absichten und Zielen seiner Kunst, ihn nicht verstanden zu haben. Die gegen Breton gerichtete surrealistische Zeitschrift Documents von Georges Bataille widmete sich in ihrer Sonderausgabe Nr. 3 vom April 1930 vollständig Picasso.[43]

Im Jahr 1927 lernte er Marie-Thérèse Walter kennen, die er in Frau mit Blume 1932 in minimalistischer Weise mit surrealistischen Anklängen porträtierte. Die Beziehung zu der anfangs noch minderjährigen Marie-Thérèse hielt er lange Zeit geheim.

Erstmals tauchte 1928 das Minotaurus-Motiv in seinen Werken auf – als Spanier war Picasso schon immer vom Stierkampf fasziniert. Die erste Nummer des surrealistischen Künstlermagazins Minotaure erschien am 25. Mai 1933 mit einem Cover von Picasso, der dem Titel gemäß einen Minotaurus zeigt.[Bild 3] 1935 entstand die Radierungsfolge Minotauromachie, die von Francisco de Goyas Tauromaquia (um 1815) inspiriert wurden. Darin wird in immer neuen Variationen der Zusammenhang von Sexualität, Gewalt und Tod ausgelotet.[44]

Im Sommer 1936 lernte Picasso durch den surrealistischen Dichter Paul Éluard den Künstler und Kunstkritiker Roland Penrose kennen, mit dem er Freundschaft schloss und der im Jahr 1958 die erste Biografie über Picasso veröffentlichte, an der der Künstler mitwirkte. 1937 schuf er von Penrose’ späterer Ehefrau, der Fotografin Lee Miller, sechs Porträts.[45] Die Fotografin machte bei gegenseitigen Besuchen um die 1000 Aufnahmen, die Picasso während der Arbeit und in der Freizeit zeigen.[46]

Familiäre Probleme

Deutlichere Anklänge an seinen Spätstil zeigt ein weiteres Porträt der Marie-Thérèse Walter, das Interieur mit zeichnendem Mädchen aus dem Jahr 1935. Der Zusammenhang von Sexualität und künstlerischer Kreativität wird zu einem Thema, das Picasso bis zu seinem Lebensende beschäftigen wird. Das Jahr 1935 bezeichnet eine Krise in seinem Leben und Schaffen. Aus der Beziehung zu Marie-Thérèse, die bis 1937 andauerte, wurde die Tochter Maya in diesem Jahr geboren. Dies wurde seiner Frau hinterbracht, die daraufhin die Scheidung verlangte. Nach französischem Recht hätte Picasso seinen Besitz mit ihr teilen müssen. Daran hatte er kein Interesse, und sie blieben daher bis zu ihrem Tod im Februar 1955 verheiratet.

1936 hatte Picasso eine Affäre mit Alice Rahon, der Ehefrau von Wolfgang Paalen,[47] und lernte die französische Fotografin Dora Maar kennen, die in den 1940er Jahren seine ständige Begleiterin wurde und die ihm oft Modell saß. Im November 1937 besuchte er Paul Klee in Bern, um ihn moralisch zu unterstützen, da dessen Werke gerade in der berüchtigten Münchner Ausstellung über Entartete Kunst von den Nationalsozialisten diffamiert wurden. 1941 entstand Dora Maars Porträt mit gleichzeitiger Vorder- und Seitenansicht, Dora Maar mit Katze (Dora Maar au chat). Sie konkurrierte mit Marie-Thérèse Walter um die Gunst Pablo Picassos. „Ich hatte kein Interesse daran, eine Entscheidung zu treffen. […] Ich sagte ihnen, sie sollten es unter sich ausmachen“,[48] so der Maler über die Rivalität zwischen den beiden Frauen.

Stellungnahmen zum Spanischen Bürgerkrieg – Guernica (1936–1939)

Die Ereignisse des Spanischen Bürgerkriegs erschütterten Picasso zutiefst, und es entstanden Bilder, die in ihrer Eindringlichkeit an Goyas Schrecken des Krieges erinnern, vor allem Guernica, das das Grauen anlässlich der Bombardierung der baskischen Stadt Gernika am 26. April 1937 durch die deutsche Legion Condor thematisiert. Unter diesem Eindruck begann Picasso bereits am 1. Mai mit Studien für das gleichnamige monumentale Bild, das ab dem 12. Juli 1937 als Wandbild im spanischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde.[49]

Picasso unterstützte ab 1936 von Paris aus die republikanische Regierung Spaniens, die sich gegen den Putschisten und künftigen Diktator Franco zur Wehr setzte. Er versuchte, gleichwohl vergeblich, die französische Regierung zum Eingreifen zu bewegen und wurde für seinen Einsatz von der republikanischen Regierung Spaniens 1937 in Abwesenheit zum Direktor des bedeutenden Kunstmuseums Prado in Madrid bestimmt.

Zeit des Zweiten Weltkriegs (1940–1945)

Plakette in der 7 Rue des Grands-Augustins, Paris

Der Künstler arbeitete seit 1936 in Paris in einem Atelier in der 7 Rue des Grands-Augustins, in dem Guernica entstand und das er seit dem Frühjahr 1939 zudem als Wohnung nutzte. Vom Beginn der deutschen Besetzung 1940 im Zweiten Weltkrieg bis zur Befreiung von Paris am 25. August 1944 wohnte er hier, ohne eine Reise zu unternehmen. Die Nationalsozialisten hatten ihm wegen seiner Gegnerschaft zu Franco Ausstellungsverbot erteilt.[50] Der von Picasso 1940 gestellte Antrag auf den Erwerb der französischen Staatsbürgerschaft war abgelehnt worden, da den Behörden Dossiers aus dem Jahr 1905 vorlagen, in denen er als anarchistisch eingestuft worden war.[51]

Während der Besatzungszeit wurde die moderne Kunst von den Kollaborateuren nicht toleriert. Der Maler André Lhote erinnerte sich an die Schlachtrufe „Matisse in den Müllkasten“ und „Picasso ins Irrenhaus!“. Nach der Befreiung schätzte ihn die politische Linke zunächst als den Künstler ein, der „aufs Wirksamste den Geist des Widerstands versinnbildlichte“.[52]

Das Museum of Modern Art in New York City unter seinem Direktor Alfred Barr widmete Picasso 1939–1940 eine erfolgreiche Retrospektive, die ihn in Amerika und bei zeitgenössischen Kunstkritikern und Künstlerkollegen weithin bekannt machte.

Im Jahr 1944 wurde Picasso Mitglied der Kommunistischen Partei Frankreichs und blieb es bis ans Ende seines Lebens. Die Ernsthaftigkeit seines Eintritts wurde bezweifelt, und man beschuldigte ihn, dass seine Farben und Formen in seinen Arbeiten eine bestimmte symbolische Bedeutung besäßen, woraufhin er konterte: „Bloß wegen des Vergnügens, verstanden zu werden, werde ich nicht in einem gewöhnlichen Stil arbeiten.“[53] Eine Aussage, unter anderen, die zu der Anschuldigung führte, dass sein Kommunismus oberflächlich sei und er nicht an die Untrennbarkeit von Kunst und Politik glaube. Zu seiner Verteidigung schrieb er: „Was, glauben Sie denn, ist ein Künstler? Ein Schwachsinniger, der nur Augen hat, wenn er Maler ist, nur Ohren, wenn er Musiker ist, gar nur eine Lyra für alle Lagen des Herzens, wenn er Dichter ist, oder gar Muskeln, wenn er Boxer ist? Ganz im Gegenteil! Er ist gleichzeitig ein politisches Wesen, das ständig im Bewußtsein der zerstörerischen, brennenden oder beglückenden Weltereignisse lebt und sich ganz und gar nach ihrem Bilde formt. […] Nein, die Malerei ist nicht erfunden, um Wohnungen auszuschmücken! Sie ist eine Waffe zum Angriff und zur Verteidigung gegen den Feind.“[53]

Die späteren Jahre (1945–1973)

Henri Matisse im Mai 1933

Nach sechs Jahren innerer Emigration und Isolation in Paris während des Zweiten Weltkriegs besuchte Picasso ab 1945 häufiger südfranzösische Orte wie Antibes und Nizza. Dort besuchte er Henri Matisse, dessen Malweise deutliche Einflüsse in Picassos Spätwerk hinterließ. Beide Künstler blieben über viele Jahre in loser Verbindung, wobei Matisse der einzige lebende Künstler war, den Picasso als ebenbürtig ansah. Beide erkannten die Bedeutung des Anderen, respektierten einander zeitlebens und beeinflussten sich trotz ihrer Andersartigkeit gegenseitig.[54]

Seine Begleiterin in diesen Jahren war die Malerin Françoise Gilot, die er 1943 in Paris kennengelernt hatte. Die Beziehung dauerte bis 1953; der Sohn Claude wurde im Jahr 1947 geboren, die Tochter Paloma 1949.[55]

Vallauris und Cannes

Die mediterrane Umgebung seiner Jugendzeit zog Picasso wieder in seinen Bann, denn ab dem Frühling 1948 wohnten er und Françoise Gilot nach Aufenthalten in Golfe-Juan in der Villa „La Galloise“ in Vallauris, einem Ort mit traditionellen Töpfereien, wo er sich schon im Jahr zuvor aufgehalten hatte. Dort experimentierte er unter Anleitung örtlicher Töpfer in der Manufaktur Madoura mit Ton und Glasuren, sprengte den traditionellen Produktrahmen und verhalf dem Ort zu überregionaler und später zu internationaler Bekanntheit.

Pablo Picasso 1953 in Mailand, Foto von Paolo Monti (Fondo Paolo Monti, BEIC)

Trotz des Eintritts in die Kommunistische Partei behielt Picasso eine unabhängige Einstellung. Das Gemälde Massaker in Korea, das 1951 entstand, verärgerte die Amerikaner, sein Porträt Stalins von 1953 die Kommunisten, denn in der Sowjetunion galt seine Malweise offiziell als dekadent. Picasso engagierte sich allerdings, wann immer man ihn darum bat, für den Frieden. Im Jahr 1949 entwarf er ein Plakat mit einer Taube für den Pariser Weltfriedenskongress. Die Taube wurde in der Folge weltweit ein Symbol für den Frieden. 1952 entstanden zwei große Wandgemälde: Der Krieg und Der Frieden, für den „Friedenstempel“ in Vallauris.[56]

René Bernasconi und Pablo Picasso, Villa „La Californie“, 1955

Jacqueline Roque, eine Keramikverkäuferin bei Madoura in Vallauris, war Picassos neue Lebensgefährtin ab 1953, nachdem ihn Françoise Gilot verlassen hatte, und auch Geneviève Laporte, mit der er eine Affäre hatte, nicht zu ihm ziehen wollte. Er schuf zahlreiche Porträts von Roque wie beispielsweise 1954 Bildnis Madame Z. (Jacqueline Roque) und 1956 Jacqueline im Atelier.

1954 lernte er in Vallauris die 19-jährige Sylvette David kennen, eine junge Frau mit blondem Pferdeschwanz, die ihm Modell saß und die er in mehreren Monaten in knapp 60 Porträts darstellte.[57]

1955 kaufte Picasso die Villa „La Californie“[58] in Cannes. Seine Hinwendung zu klassischen Interpretationen von Meisterwerken zeigten Werke wie Frauen von Algier von Eugène Delacroix 1955, Diego Velazquez’ Las Meninas 1957 oder Édouard Manets Frühstück im Freien 1961. Bereits 1946 hatte eine Ausstellung im Louvre seine Bilder denen klassischer Meister gegenübergestellt.

In der „Tauwetter-Periode“ der Sowjetunion gelang es Ilja Ehrenburg 1956, eine große Picasso-Ausstellung im Moskauer Puschkin-Museum durchzusetzen.[59]

Erwerb von Schloss Vauvenargues

Chateau Vauvenargues

Picasso wurde zunehmend von Touristen und Bewunderern belästigt. In unmittelbarer Nähe von „La Californie“ wurden Wohnhochhäuser gebaut, die ihm sowohl den Ausblick auf die Landschaft versperrten als auch Fremden den Einblick auf sein Grundstück ermöglichten. Er versuchte erfolglos, den Kunstsammler Douglas Cooper dazu zu bewegen, ihm dessen Schloss Château de Castille nahe Avignon zu überlassen. Cooper empfahl ihm 1958 stattdessen das Schloss Vauvenargues bei Aix-en-Provence mit Blick auf Paul Cézannes Lieblingsmotiv, das Gebirge Montagne Sainte-Victoire. Picasso erwarb es und richtete sich dort ein Studio ein, kehrte aber immer wieder nach „La Californie“ zurück.[60]

Picassos Stil reduzierte sich zunehmend auf das Linienbetonte, Skizzenhafte. Mit hoher Produktivität setzte er sich nicht nur mit der Malerei und Grafik wie Lithografie und Linolschnitt auseinander, sondern ab 1947 auch mit der Bildhauerei und Keramik. Er variierte und zitierte seine Themen wiederholt.

Letzter Wohnort Mougins und Tod

Letzter Wohnsitz Picassos: Mas Notre-Dame-de-Vie

Picasso hatte sich von seiner Frau Olga aus finanziellen Gründen nie scheiden lassen. Mehrere Jahre nach ihrem Tod heiratete er 1961 Jacqueline Roque und zog mit ihr nach Mougins in das Herrenhaus Mas Notre-Dame de Vie, nördlich über den Hängen von Cannes. Die Ehe blieb kinderlos. Das Schloss Vauvenargues nutzte er als Lager für unzählige Bilder.

1962 wurde Picasso mit dem Internationalen Lenin-Friedenspreis ausgezeichnet.[61]

Picasso bei der Eröffnung der Soshana-Ausstellung 1962 mit der Künstlerin, André Verdet und Édouard Pignon im Château Grimaldi, ab 1966 umbenannt in Musée Picasso d’Antibes

1963 wurde das Museu Picasso in Barcelona eröffnet, das später einen Großteil seines Nachlasses erhielt. Den Grundstock bildete die Schenkung von 574 Werken von Picassos Freund und Sekretär Sabartés. Anlässlich des Erscheinens der Erinnerungen von Françoise Gilot, Leben mit Picasso im Jahr 1964, kam es zum Zerwürfnis mit seinen aus dieser Beziehung stammenden Kindern Claude und Paloma Picasso.

Im Jahr 1971 fand eine Retrospektive in Paris anlässlich Picassos 90. Geburtstags im Louvre statt. Er war der erste Künstler, dem diese Auszeichnung bereits zu Lebzeiten gewährt wurde.

Am 8. April 1973 starb Picasso in seinem Haus in Mougins an den Folgen eines Herzinfarkts, der von einem Lungenödem ausgelöst worden war. Er wurde am 10. April im Garten seines Schlosses in Vauvenargues begraben.[62] Picasso hatte kein Testament hinterlassen. Seine Erben entrichteten die Erbschaftsteuer in Form von Kunstwerken Picassos und anderen Gemälden aus seiner Sammlung, wie beispielsweise Werke von Matisse und die Yadwigha von Rousseau. Sie bildeten den Grundstock der Kollektion des Musée Picasso in Paris. Im Jahr 2003 weihten Verwandte das Picasso gewidmete Museum in seiner Geburtsstadt Málaga ein, das Museo Picasso, und überließen ihm viele Ausstellungsstücke.

Seine Witwe Jacqueline nahm sich in dem Haus in Mougins 1986 das Leben, 13 Jahre nach dem Tod Picassos.[63]

Picassos Kinder

Paulo Picasso (* 4. Februar 1921; † 5. Juni 1975) war das erste Kind Picassos aus seiner Ehe mit Olga Chochlowa. Paulo war als Kleinkind unter anderem das Modell für die Gemälde Paulo auf einem Esel (1923) und Paulo als Harlekin (1924).

Maya Widmaier Picasso (* 5. September 1935) entstammt der Verbindung mit Marie-Thérèse Walter. Ihr Vater malte mehrere Bilder, die Maya zum Thema hatten, darunter Maya à la poupée (Maya mit Puppe), das im Februar 2007 aus der Wohnung von Picassos Enkeltochter Diana Widmaier Picasso geraubt wurde.[64] Im August 2008 wurden die Bilder und eine ebenfalls gestohlene Zeichnung von der französischen Polizei wiedergefunden.[65]

Claude Picasso (* 15. Mai 1947) ist das erste Kind aus der Verbindung mit Françoise Gilot. Er wurde zwei Jahre nach Picassos Tod als Nachlassverwalter für die Familie eingesetzt[66] und lebt in Paris.

Paloma Picasso (* 19. April 1949) ist das zweite Kind aus der Verbindung Picassos mit Françoise Gilot. Sie schaffte sich durch die Kreation von Schmuck, Modeaccessoires und Parfums einen Markennamen.

Werk

Nach dem On-Line Picasso Project, 1997 von Enrique Mallen (Sam Houston State University) eingerichtet, wird die Gesamtzahl der Werke Picassos auf etwa 50.000 geschätzt, darunter 1885 Gemälde, 7089 Zeichnungen, 30.000 Drucke (Radierungen, Lithographien etc.), 150 Skizzenbücher, 1228 Skulpturen, 3222 Keramiken sowie Bildteppiche.[67] Das On-Line-Projekt benutzt ein dem @-Zeichen nachempfundenes kleines P als Logo.

Malerei

„Beim Malen bedeutet ‚Suchen‘ meiner Ansicht nach gar nichts. Auf das Finden kommt es an.“

– PABLO PICASSO, 1923[68]

Werk der Jugend (1889–1897)

Das erste, um 1889 entstandene Bild von Picasso ist Der Picador,[Bild 4] das bereits in Öl gemalt ist. Stierkampfszenen, Tauben und die Darstellung einer Herkulesstatue bildeten die Themen seiner ersten Zeichnungen. Es entstanden Ölbilder in der Malweise der altmeisterlichen Genremalerei nach dem Vorbild des Vaters. Als Elfjähriger erhielt er Unterricht in der Tradition der Akademischen Malerei unter dessen Anleitung. Nach Gipsabdrücken fertigte er Zeichnungen wie Etude pour un torse.[Bild 5]

In den um 1895 entstandenen Bildern waren die spanischen Maler des 17. Jahrhunderts sein Vorbild. Zu dieser Zeit war er Schüler der Zeichenklasse der „La Llotja“ in Barcelona.[69] Einige seiner Bilder zeigen Anklänge und Studien nach den Werken von Francisco de Zurbarán und des frühen Diego Velázquez, wie etwa das Porträt Philippe IV.[Bild 6] nach Velázquez. Ab 1897 studierte Picasso für kurze Zeit an der königlichen Akademie von San Fernando in Madrid. Eine aus dieser Zeit stammende Zeichnung zeigt den Matador Luis Miguel Dominguin.[Bild 7]

1896 war sein Gemälde Die Erstkommunion[Bild 8] in der Ausstellung für Kunst und Kunstgewerbe in Barcelona ausgestellt und wurde in einer bedeutenden Zeitung lobend besprochen.[70] 1897 malte er die große Komposition Wissenschaft und Nächstenliebe.[Bild 9] Sie entsprach der seinerzeit beliebten Spielart der Historienmalerei und erhielt in der Allgemeinen Kunstausstellung in Madrid eine offizielle ehrenvolle Erwähnung. Später erhielt es in seiner Geburtsstadt Málaga eine Goldmedaille.[70]

Jahre der Orientierung (1898–1901)

Als Picasso 1897, im Alter von 16 Jahren, die Königliche Akademie verlassen hatte, begann seine selbständige Künstlerkarriere. Die Jahre zwischen 1898 und 1901 charakterisieren die Zeit der Orientierung: das konsequente Überprüfen der kreativen Prinzipien nahezu aller damals progressiven und avantgardistischen Richtungen.[71] Er überwand seine rein akademische Ausbildung in einer für ihn bezeichnenden Weise, so wie er gelernt hatte, Neues aufzunehmen: als Aneignung durch Nachahmung.[72]

Er wurde von den Werken der katalanischen Maler des Modernisme, Isidre Nonell und Santiago Rusiñol, beeinflusst[73] und erhielt weitere Anregungen – um nur einige zu nennen – aus dem Bereich des Symbolismus, der englischen Präraffaeliten, der Wiener Moderne, katalanischen Wandmalereien des 14. Jahrhunderts, aus den Werken von El Greco,[74] Henri de Toulouse-Lautrec und Théophile Steinlen, dem Illustrator im Stil des Art Nouveau.[75] Picasso versuchte bereits seine Vorbilder umzuformen.[76] Im Jahr 1900 fand Picassos Auseinandersetzung mit Toulouse-Lautrec in dem Gemälde Le Moulin de la Galette[Bild 10] ihren Höhepunkt.[76] Seine erste Einzelausstellung im „Els Quatre Gats“ im selben Jahr erntete jedoch negative Kritiken.[77]

Blaue Periode (1901–1904)

Der Begriff Blaue Periode in Picassos Werk stellt die vorherrschende monochrome Farbigkeit in den Vordergrund. Die Grundlagen der Blauen Periode wurden in Paris entwickelt.[71] Das Bild Evokation – Das Begräbnis Casagemas[Bild 11] ist das erste Bild jener Schaffensphase. Es soll das Ende einer Freundschaft und den Beginn von etwas Neuem darstellen. Es entstanden in Folge Werke wie Das Blaue Zimmer[Bild 12] und das berühmte Selbstbildnis[Bild 13] aus dem Jahr 1901.

Nach der Umsiedlung nach Barcelona im Jahr 1902 bildeten schwermütige Figurenbilder die Hauptthemen. Außenseiter der Gesellschaft wie Bettler, Obdachlose, aber auch einsame Menschen sowie Mutter und Kind kamen zur Darstellung. Mit Hilfe dieser Themen verarbeitete er sowohl seine Einsamkeit in der Fremde als auch den Tod des Freundes. Die Themenwahl der Werke Picassos ist mit den Werken Nonells vergleichbar. Gibt Nonell jedoch einen Wirklichkeitsausschnitt zu erkennen und lässt den Rückschluss auf größere Zusammenhänge zu, so verwirklicht Picasso das Schicksal als etwas einzelnes, in der Isolation.[78]

1902 entstand Melancholie, das Bildnis einer melancholischen jungen Frau. Die überlange Darstellung der Personen wie beispielsweise bei der Büglerin (1904) ist auf die Auseinandersetzung mit El Greco zurückzuführen: „Daß meine Figuren in der Blauen Periode sich alle in die Länge strecken, liegt wahrscheinlich an seinem Einfluß.“[79] Andererseits schließt sich das Thema der Büglerin nahtlos an die Darstellungen von Daumier und großartige Studien von Degas an.[80]

Als Hauptwerk der Blauen Periode gilt La Vie (Das Leben) vom Mai 1903, in dem der abgebildete Mann die Gesichtszüge des Freundes Carlos Casagemas trägt.

Rosa Periode (1904–1906)

Die Kunstgeschichte trennt die Jahre 1901–1906 im Schaffen Picassos in zwei Perioden, die Blaue und die Rosa Periode. Für die Zeitgenossen hingegen bildeten die erwähnten Jahre eine Einheit.[81] Die vorherrschende Verwendung der Farbe Rosa rechtfertigte für sie keineswegs eine Abtrennung vom Vorangegangenen, und sie sprachen durchgehend von der Blauen Periode. Auch der Künstler sah es in der Rückschau so.[82]

Mit den Bildern der Blauen und der Rosa Periode setzte sich Picasso thematisch deutlich von der seinerzeit gefeierten offiziellen Kunst ab.[83] Ab 1904 ersetzte Picasso allmählich das vorherrschende Blau durch rosa- und orangefarbene Töne. Die Motive der Rosa Periode stammen oft aus der Welt der Schauspieler und Artisten, die damals als Symbole für das Künstlertum verstanden wurden. So wird die Rosa Periode auch als Harlekin-Periode bezeichnet.[81][84] Andererseits jedoch tritt die Figur des Harlekin in beiden Perioden auf. Picasso hatte sich selbst 1905 im Pariser Kabarett Le Lapin Agile in dem Gemälde Au Lapin Agile[Bild 14] als Harlekin mit seiner damaligen Geliebten Germaine Gargallo porträtiert. Bedingt durch die Liebe Picassos zu Fernande Olivier, dem Modell für Bildhauer und Maler, die er 1904 in Paris getroffen hatte und die zum Thema vieler seiner Gemälde werden sollte, und zusätzlich durch seine ersten finanziellen Erfolge, erscheint das Werk optimistischer. Als Hauptwerk der Rosa Periode gilt das Gemälde Die Gaukler (Les Saltimbanques) aus dem Jahr 1905.

Les Demoiselles d’Avignon und période nègre (1907–1908)

→ Hauptartikel: Les Demoiselles d’Avignon

Afrikanische Fang- Maske.

Das Gemälde Les Demoiselles d’Avignon aus dem Jahr 1907 gilt heute unbestritten als Höhepunkt von Picassos Sturm-und-Drang-Periode.[1] Als das Werk 1939 seinen Weg in die Öffentlichkeit fand, avancierte es zum Schlüsselbild der Moderne schlechthin.[1] Inspiriert sind die Demoiselles von den Gemälden Paul Cézannes und den Arbeiten der Fauves, etwa Le bonheur de vivre (Lebensfreude, 1905/06) von Henri Matisse.

Ausgangspunkt für Picasso war seine Auseinandersetzung mit der europäischen Kunstüberlieferung und der Rückgriff auf prähistorische Kunst, der sich in seiner im Sommer 1906 beginnenden Beschäftigung mit der iberischen Kunst zeigt. Seit dem Winter 1905/06 entstanden Formstudien, die diese Auseinandersetzung widerspiegeln. Mit dem abschließenden Werk der Demoiselles begann Picassos sogenannte période nègre (Negerperiode oder Iberische Periode). In jener Phase hatte Picasso Anregungen aus der afrikanischen und, in geringem Ausmaß, ozeanischen Kunst frei kombiniert[85] (siehe hierzu Primitivismus). Picasso selbst sprach immer nur von art nègre, da er die ozeanischen Vorbilder „afrikanisierte“.[86][87] Ein Werk aus der période nègre ist das Gemälde Akt mit Kleidungsstück aus dem Sommer/Herbst 1907.

Kubismus (1908–1916)

→ Hauptartikel: Kubismus

„Der Kubismus ist weder ein Samenkorn noch ein Fötus, sondern eine Kunst, der es vor allem um die Form geht, und wenn eine Form einmal geschaffen ist, dann ist sie da und lebt ihr eigenes Leben weiter“

– PABLO PICASSO.[88]

Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire, 1904, Museum of Art, Philadelphia

Zentraler Ausgangspunkt für Picasso war die malerische Kunstform Cézannes aus dessen letzten Lebensjahren. Picasso hatte dessen Werk studiert und äußerte später gegenüber dem Fotografen Brassaï: „Cézanne! Er war unser aller Vater!“[89][90] Bevorzugte Motive waren Stillleben, insbesondere sind Musikinstrumente, Landschaften und Personen dargestellt.

Die kubistische Periode Picassos lässt sich in zwei Phasen einteilen: in den analytischen und synthetischen Kubismus.

Analytischer Kubismus (1908–1912). Picassos Methode – das „Öffnen“ der geschlossenen Form der dargestellten Körper zugunsten eines Formenrhythmus – gestattet, die Körperlichkeit der Dinge und ihre Lage im Raum darzustellen, anstatt sie durch illusionistische Mittel vorzutäuschen.[91] Die Lichtführung spielte eine untergeordnete Rolle. In den Gemälden wurde nicht festgelegt, von welcher Seite das Licht kommt.[92] Die dadurch hervortretenden unterschiedlichen Ansichten der Objekte bewirken die Erscheinung simultaner Perspektive, als könnten sie von allen Seiten gleichzeitig betrachtet werden. Auf diese Weise entsteht die Wirkung einer „kristallinen“ Struktur. Ein Beispiel ist das im Jahr 1910 geschaffene Porträt Ambroise Vollard.

Synthetischer Kubismus (1912–1916). Der synthetische Kubismus entstand durch die von Picasso und Braque praktizierte Collagetechnik, dem papier collé. Zu den papier collés wurden sie durch ihre zuvor entstandenen dreidimensionalen Konstruktionen, den Papierplastiken angeregt, die sie aus Papier und Karton, Picasso später aus Blech, fertigten.[93] Sie bilden die Grundlage aller nachfolgenden Collage-Techniken bis hin zum Ready-made.

In den Werken tauchten nun Papier, Zeitung, Tapete, imitierte Holzmaserung, Sägespäne, Sand und ähnliche Materialien auf. Die Grenzen zwischen gemaltem und realem Gegenstand bis hin zum Objekt gehen fließend ineinander über. Auf diese Weise schufen Braque und Picasso eine Synthese aus verschiedenen Elementen, woraus sich der Name dieser Schaffensperiode ergab. Die in dieser Weise bearbeiteten Bilder bekommen einen dinghaften, materiellen Charakter, der eine neue Realität des Bildes schafft.[94] Picassos erstes Werk dieser Art war die im Jahr 1912 entstandene Arbeit Stillleben mit Rohrstuhl (Nature morte à la chaise cannée),[Bild 15] die die erste Collage darstellt. Eine weitere Arbeit aus dieser Phase ist Geige und Weinglas auf einem Tisch.

Stilistisches Nebeneinander (1916–1924)

Während des Ersten Weltkriegs entstand in Europa eine Sehnsucht nach „Reinheit und Ordnung“ (Retour à l’ordre). Es erfolgte eine Rückbesinnung auf die klassische Tradition und einer oft krass vorgetragenen Ablehnung aller Modernismen. Frankreich verstand sich in direkter Nachfolge der vorbildlichen Antike als Hort der Humanität und Gegner der „barbarischen Deutschen“.[95] Die Rückbesinnung vollzog sich auch in anderen romanischen Ländern: so in Barcelona im Noucentisme, den Picasso 1917 bei seiner Spanienreise kennenlernte. In Frankreich bildeten sich zwei entgegengesetzte künstlerische Lager heraus. Das eine, mit dem Hauptvertreter Fernand Léger, versuchte, die formalen Errungenschaften des Kubismus mit den Formen der Klassik zu verbinden, um die Kunst politischen Zielen dienstbar zu machen. Das andere, mit Picasso als Hauptvertreter, folgte der unmittelbaren Auseinandersetzung mit den klassischen Werten. Die Wiederbelebung des Klassizismus in Picassos Werk war die Folge.[95]

So zeigen Picassos Arbeiten bereits ab 1914/15 Figurendarstellungen, die ganz nach der Tradition der Klassik und der europäischen Klassizismen von der formbestimmenden Linie ausgehen, wie etwa das Bildnis Olga in einem Sessel[Bild 16] aus dem Jahr 1917.[96] Neben den klassizistischen Akten, Porträts und szenischen Darstellungen entstanden jedoch gleichzeitig Werke des synthetischen Kubismus, wie etwa Stillleben vor einem Fenster in Saint-Raphaël[Bild 17] aus dem Sommer 1919 oder Drei Musikanten aus dem Sommer 1921. Die Jahre 1916 bis 1924 bilden auf diese Weise scheinbar eine Zeit der Koexistenz der Gegensätze.[97] So spottete der Kunsthistoriker Julius Meier-Graefe: „Morgens macht er Kuben, nachmittags voluminöse Frauen.“[98]

Die Komposition Drei Frauen am Brunnen aus dem Jahr 1921 zeigt drei mächtig wirkende Frauen, gekleidet wie antike Göttinnen, die sich melancholisch anblicken. Ein weiteres antikes Thema bildet das Gemälde Die Panflöte[Bild 18] aus dem Jahr 1924 ab.

Auseinandersetzung mit dem Surrealismus (1925–1936)

Von 1925 bis 1936 wandte sich Picasso erneut intensiv plastischer Gestaltung zu. Alle zwei- und dreidimensionale Ausdrucksformen wurden in einer geradezu „explodierenden“ Fülle gegenseitiger Entsprechungen neben- und nacheinander gesetzt.[99] Für sein Jonglieren mit der Form erhielt Picasso in jenen Jahren durch eine neue künstlerische Bewegung Rückhalt, die sich aus den Strömungen des Dadaismus herauskristallisiert hatte: den Surrealismus. Für die Surrealisten war Picasso eine Symbolfigur der Moderne. Jedoch kann Picasso im engeren Sinn nicht dem Surrealismus zugerechnet werden.

Picasso beteiligte sich 1925 an der ersten Ausstellung surrealistischer Maler in der Pariser Galerie Pierre. Seine Arbeiten waren dort neben Werken von Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Man Ray und Joan Miró zu sehen. Rückschauend äußerte er sich dann in den fünfziger Jahren, vor 1933 frei von surrealistischen Einflüssen gearbeitet zu haben.[42] Dieser Äußerung Picassos steht jedoch gegenüber, dass er die Arbeiten von Giorgio de Chirico bis zu Joan Miró genau wahrgenommen und als Vorbild verwendet hatte. Besonders viele Anregungen gab ihm die surrealistische Plastik, vor allem Werke von Alberto Giacometti. Allerdings stehen diese Übernahmen nie isoliert, sondern werden von Picasso für seine Zwecke funktionalisiert und mit Anleihen aus völlig anders gearteten Kunstrichtungen kombiniert.[100] Picasso äußerte: „Manche nennen die Arbeiten, die ich in einer bestimmten Periode geschaffen habe, surrealistisch. Ich bin kein Surrealist. Ich bin nie von der Wahrheit abgewichen: Ich bin immer in der Wirklichkeit geblieben.“[101]

Als surrealistisch inspirierte Werke gelten beispielsweise Schlafende Frau im Armsessel, 1927, die Sitzende Badende am Meeresstrand und Die Kreuzigung[Bild 19] aus dem Jahr 1930.

Guernica (1937)

→ Hauptartikel: Guernica

Nachbildung von Guernica in Form von Kacheln als Wandbild in Originalgröße in der Stadt Gernika

Das erste Werk, das Picasso zum Thema des Spanischen Bürgerkriegs schuf, war Traum und Lüge Francos, eine Folge von 18 Aquatinta-Radierungen, die Picasso am 8. Januar 1937 begonnen hatte. Nach der Bombardierung Gernikas im April 1937 entstand unter diesem Eindruck das großformatige, rund dreieinhalb Meter hohe und fast acht Meter breite Wandbild Guernica, das zusammen mit Paul Éluards Gedicht Der Sieg von Guernica im Juni in der Pariser Weltausstellung im spanischen Pavillon ausgestellt war.[102]

Nach anfänglicher Kritik, die sich gerade an seiner mangelnden politischen Eindeutigkeit festmachte, wurde es in der Rezeption zum berühmtesten Antikriegsbild des 20. Jahrhunderts erklärt – in weitem Abstand folgen die Bilder von George Grosz und Otto Dix über den Ersten Weltkrieg.[103] Einige Schlüsselfiguren aus dem Gemälde, wie die Weinende Frau und das Sterbende Pferd, finden sich in seinen späteren Werken wieder.

Spätwerk nach 1945

„Warum, glauben Sie, datiere ich alles, was ich mache? Weil es nicht genügt, die Arbeiten eines Künstlers zu kennen, man muss auch wissen, wann, warum, wie und unter welchen Bedingungen er sie schuf […] es ist mir wichtig, der Nachwelt eine möglichst vollständige Dokumentation zu hinterlassen […] Nun wissen Sie, warum ich alles, was ich mache, datiere.“

– PABLO PICASSO, 1943[104]

Nach dem Zweiten Weltkrieg änderte sich Picassos Stil erneut, indem er die Kunst der alten Meister neu interpretierte und den Wettstreit mit ihnen suchte. Beispiele sind Bildnis eines Malers nach El Greco, 1950, die ab 1954 entstandenen 15 Versionen nach Delacroix’ Frauen von Algier sowie 1957 Las Meninas nach Velazquez. In Las Meninas ersetzte Picasso die Dogge des spanischen Königs durch seinen Dachshund Lump. Die Nachschöpfungen zeichnen sich durch formalen Witz und inhaltliche Ironie aus. Die „Zitatkunst“ nahm er hiermit vorweg, sie sollte in den 1960er Jahren sehr verbreitet werden.[105]

Die von Jean Crotti erfundene spezielle Form der Glasmalerei, „Gemmail“ (Plural „Gemmaux“), wendete Picasso beispielsweise in seinem Werk Ma jolie guitar aus dem Jahr 1955 an. In dieser Technik schuf er ab 1954 etwa 60 Werke, in denen er frühere Themen wiederholte.[106][107]

Selbstporträts von Picasso sind selten: „Mit meinem Gesicht habe ich mich wirklich nicht oft beschäftigt.“ Stattdessen zeigte sich Picasso in verschlüsselten Selbstbildnissen, versteckt in Harlekinen, Jünglingen und Greisen sowie in den Porträts von Rembrandt und Balzac (1952).[108] Gegen Ende seines Schaffens entstanden jedoch eine Reihe von Selbstbildnissen. Im April 1972 schuf Picasso Der junge Maler. Mit wenigen schlichten Strichen, die im Gegensatz zu den expressiven, pastos gemalten Werken der vergangenen Jahre stehen, porträtiert er sich mit breitkrempigem Hut, den Pinsel locker in der Hand haltend, vielleicht ein Versuch angesichts des Todes, wieder der kleine Pablo Ruiz zu sein.[109] Im Juni folgte ein weiteres Selbstporträt, das ihn als alten Mann zeigt und auf dem er den Betrachter mit schreckgeweiteten Augen anstarrt.

Mit dem Bild Die Umarmung, das am 1. Juni 1972 entstand, endete Picassos malerisches Werk; bis zu seinem Tod am 8. April 1973 zeichnete Picasso nur noch – es waren nicht weniger als zweihundert Bilder. Zwei Farben dominieren die Liebesszene: Blau und Rosa. Picasso greift hier noch einmal auf die Grundlagen seiner Kunst zurück: auf die Todesbilder, den Liebesrausch, die melancholische Blaue Periode und die spielerische Rosa Periode. In diesem letzten Bild rast eine blaue Welle auf ein Paar zu, das kaum zu erkennen ist; es ist nur aus dem Titel abzuleiten. Ein ekstatisches Knäuel aus Körper- und Geschlechtsteilen beherrscht das Bild.[110]

Bildhauerei

Als nicht ausgebildeter Bildhauer schuf Picasso zwischen den Jahren 1909 und 1930 Skulpturen, die einen großen Einfluss auf die Bildhauerei des 20. Jahrhunderts haben sollten. Dreidimensionale Arbeiten begleiteten sein ganzes Werk und dienten ihm als Experimentierfeld für sein malerisches Schaffen. Seine Innovationen verfolgte er nicht weiter, sie dienten jedoch zeitgenössischen Bildhauern als Anregung wie beispielsweise den Futuristen, den Dadaisten und den Konstruktivisten.[111]

Picassos früheste Skulptur ist die kleine Bronze Sitzende Frau von 1902, die er modellierte, als er gut 20 Jahre alt war. Seine erste bedeutende Skulptur war der annähernd lebensgroße Frauenkopf (Fernande) aus dem Sommer 1909, der im Zusammenhang mit Bildern von Fernande entstand, die nach der Auseinandersetzung mit Cézannes Spätwerk bereits einen neuen, nichtperspektivischen Bildaufbau, eine reduzierte Farbplatte und Formzerlegung aufwiesen. Bis zum Jahr 1912, als die erste Collage, Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht geschaffen wurde, entstanden keine weiteren Plastiken. Im selben Jahr schuf er die Montage Gitarre, eine „Konstruktion“ aus zusammengeleimten, mit Schnüren versehenen Kartonstücken.

Picasso-Skulptur ohne Titel in Chicago aus dem Jahr 1967

Aus dem Jahr 1914 stammt eine Serie von sechs Absinthgläsern, bestehend aus kubistisch geformtem Glas aus Bronze, dem ein echter Absinthlöffel und ein unechtes Stück Zucker hinzugefügt wurde und die eine unterschiedliche Bemalung aufweisen – eine unkonventionelle Behandlung des Werkstoffs Bronze. Es handelt sich hier um eine Assemblage. Der echte Löffel erinnert an ein Ready-made von Marcel Duchamp.[111] Ab 1923 arbeitete Picasso mit seinem Freund, dem Bildhauer Julio González, zusammen, der ihn mit den verschiedenen Möglichkeiten der bildhauerischen Gestaltung weiter vertraut machte.

In den Jahren 1928 und 1929 entstanden die Eisen- und Drahtskulpturen, von denen eines seiner Schlüsselwerke die Drahtkonstruktion (Denkmal für Guillaume Apollinaire) ist; sie wurde in Paris Ende 1928 geschaffen. In seiner Werkphase zu Beginn der 1930er Jahre schuf Picasso Skulpturen in realistischer Ausformung wie den Frauenkopf (Marie Thérèse), 1931, der auf die Liebesbeziehung mit seiner neuen Partnerin Marie-Thérèse Walter verweist. Zu weiteren plastischen Werken gehören beispielsweise die Assemblage Der Stierschädel von 1942, Mann mit Lamm, 1942/43, sowie das Modell für die monumentale Plastik ohne Titel aus dem Jahr 1967 in Chicago auf dem Daley Plaza; die Bürger bezeichnen sie als Chicago Picasso, und sie wird gelegentlich mit einem Vogel oder Frauenkopf verglichen.[112] Picassos Enkel Olivier Widmaier Picasso äußerte 2004 gegenüber der Chicago Sun-Times, dass der Künstler beim Entwurf der Skulptur von seinem Modell Sylvette inspiriert gewesen sei.[113]

Druckgrafik

In den Jahren von 1930 bis 1937 schuf Picasso eine Serie von hundert Grafiken, die nach dem Verleger und Kunsthändler Vollard die Suite Vollard benannt wurde; dieser hatte sie bei dem Künstler in Auftrag gegeben. Picasso variiert darin Themen wie Künstler und Modell und das Minotaurus-Motiv. Das Graphikmuseum Pablo Picasso Münster erwarb 2001 die komplette Grafikfolge.[114]

Ein zentrales Thema wurde der Stierkampf, den Picasso 1935 in einer Folge von Radierungen darstellte. Motive des Stiers und des Stierkampfes als traditionell spanisches Thema ziehen sich durch Picassos gesamtes Werk. Die Minotauromachie verknüpft den antiken Minotauros-Mythos mit modernen Stierkampfszenen, die beispielsweise in der 1937 entstandenen Radierungsfolge Traum und Lüge Francos und seinem Monumentalgemälde Guernica anzutreffen sind. Die Minotauromachie ist ein Zitat seines Landsmanns Francisco de Goya, der seine Radierungsfolge Tauromaquia um 1815 schuf. Die 1957 geschaffene Serie La Tauromaquia mit 26 Aquatinta-Radierungen entstand als Illustration zum ersten Lehrbuch der Stierkampfkunst, La Tauromaquia, o arte de torear, ein Buch aus dem Jahre 1796, dessen Autor einer der bekanntesten Stierkämpfer seiner Zeit war, der Torero José Delgado y Galvez, genannt Pepe Illo.[115]

Ab November 1945 wandte er sich, nach ersten Lithografien der Jahre 1919 bis 1930, in der Werkstatt von Fernand Mourlot in Paris erneut der Technik der Lithografie zu; es entstanden beispielsweise Tête de femme, Les deux femmes nues und Le Taureau.[116]

1968 entstanden zwei große Radierfolgen: Maler und Modell sowie Die Liegenden, die nochmals die zentralen Themen seines Werkes aufnahmen: Zirkus, Stierkampf und erotische Motive.

Sowjetische Briefmarke von 1981, die Picasso und seine Friedenstaube aus dem Jahr 1949 darstellt

Gebrauchsgrafik Picasso war ferner in der Gebrauchsgrafik tätig – Herstellung von Pressezeichnungen, Plakaten und Buchillustrationen sowie mit Entwürfen für Kalenderbilder, Karten und Notenheften. Die gebrauchsgrafischen Arbeiten dienten zunächst noch dem Broterwerb des jungen Künstlers, später entstanden sie als Gefälligkeiten für befreundete Schriftsteller, Komponisten, Verleger und Galeristen.[117] Er widmete sich in Vallauris 1948 neben der Keramik der Technik des Linolschnitts, den er zusammen mit dem Drucker Hidalgo Arnera ausführte. Plakate für Stierkämpfe und Keramikausstellungen der Gemeinde waren seine ersten Werke. Sein bekanntestes Plakat ist die Friedenstaube für den Pariser Weltfriedenskongress im Jahr 1949. Für die Friedenstaube, die zum weltweit bekannten Symbol wurde, schuf Picasso etwa hundert Zeichnungen; ihre Gestaltung beruht auf impressionistischen Stilmitteln. Im April 1949 wurde die Friedenstaube erstmals auf dem Pariser Kongress, dem „Congrès mondial des partisans de la paix“ ausgestellt. Weitere Tauben folgten für die Kongresse in Warschau und Wien.[118]

Buchillustrationen Picasso illustrierte Werke aus der griechischen Antike bis zu zeitgenössischer Literatur in bibliophilen Ausgaben. André Bretons Clair de terre aus dem Jahr 1923 enthält seine ersten Buchillustrationen, es folgten Abbildungen für Werke von Luis de Góngora, Francesco Petrarca, Tristan Tzara, Antonin Artaud und Pierre Reverdy. Das bekannteste Werk ist das von Vollard 1931 herausgegebene Le Chef d’Œuvre Inconnu (Das unbekannte Meisterwerk) von Honoré de Balzac mit Illustrationen des Künstlers. Mit dem Protagonisten Frenhofer, einem Maler, verband ihn der Beruf und die Straße, in der jener gelebt hatte – die Rue des Grands-Augustins.

Weitere Werkgattungen

Bühnenbilder und -vorhänge, Kostüme Schon in frühen Jahren hatte Picasso das Theater als Inspirationsquelle für seine Kunst entdeckt. Ab 1905 hatte er den melancholischen Harlekin und traurige Artisten als Motive seiner Gemälde gewählt. Die Auseinandersetzung mit dem Theater zieht sich durch sein gesamtes Werk. Im Jahr 1917 schuf Picasso sechs Bühnenbilder, den Bühnenvorhang und die Kostüme für Sergei Djagilews Balletts Russes, die nach einem Thema Jean Cocteaus und der Musik Erik Saties das Ballett Parade aufführten. 1919 folgten Bühnenbilder für Manuel de Fallas Oper Der Dreispitz, 1920 für Igor Strawinskis Pulcinella und 1924 für Saties Ballett Les Aventures de Mercure. Die Frankfurter Schirn zeigte Ende 2006 bis Anfang 2007 mehr als 140 Werke: Entwürfe für Bühnenbilder, Fotografien, Kostüme, Bühnenvorhänge, Zeichnungen und Gemälde. Viele originale Bühnenbilder und Kostüme sind jedoch zerstört oder verschollen. Von den ursprünglichen Choreografien existieren oft nur noch wenige Schwarz-Weiß-Fotografien.[119]

Keramik Im Frühjahr 1947 bezog Picasso ein Atelier in dem französischen Ort Vallauris, nachdem er im Jahr zuvor bei der jährlichen Töpferausstellung zufällig Suzanne und Georges Ramie, die Eigentümer der Werkstatt Madoura, einer Keramikfabrik, getroffen hatte. Picasso unternahm seine ersten Versuche mit Keramik und beschloss, sich dieser Kunst zu widmen. Seine Vorgehensweise war unorthodox. Er schuf Faune und Nymphen aus dem Ton, goss die Erde wie Bronze, dekorierte Platten und Teller mit seinen bevorzugten Motiven wie Stierkampf, Frauen, Eulen, Ziegen, benutzte ungewöhnliche Unterlagen (Pignates-Scherben, Brennkapseln oder zerbrochene Ziegel) und erfand eine weiße Tonmasse aus nicht emaillierter, mit Reliefs versehener Keramik. Innerhalb von zwanzig Jahren schuf Picasso eine große Anzahl keramischer Originalwerke.[120]

Luminografie Obwohl sich Picasso selbst wenig mit der Fotografie befasste, wusste er die Möglichkeiten des Mediums durchaus für seine künstlerischen Experimente zu nutzen. So entstand 1949 in Vallauris in Zusammenarbeit mit dem Fotografen Gjon Mili eine Serie von Lichtmalereien, sogenannte Luminografien. Picasso tauschte dazu den Zeichenstift mit einer Taschenlampe und malte in einem abgedunkelten Raum vor Milis Kamera Figuren in die Luft. Durch Langzeitbelichtung wurden seine Lichtbahnen auf dem Foto als „Luminogramme“ deutlich.[121][122]

Medailleur Als Designer schuf Picasso die Medaillen für die seit 1974 in Tel Aviv, Israel, alle drei Jahre stattfindende Arthur Rubinstein International Piano Master Competition.[123]

Literarisches Werk

Neben seinem bildnerischen Werk hinterließ Pablo Picasso Dutzende von Gedichten.[124] Seine Texte finden sich in der Literaturliste unter Peter Schifferli: Pablo Picasso. Wort und Bekenntnis. Die gesammelten Dichtungen und Zeugnisse.

Zudem trat Picasso als Dramatiker in Erscheinung. Unter dem Eindruck der deutschen Besatzung von Paris und eines harten Winters entstand 1941 in nur wenigen Tagen das Stück Le Désir attrapé par la queue, das zuerst in der Zeitschrift Message erschien. Es wurde im März 1944 unter der Regie von Albert Camus in der Wohnung von Michel Leiris unter Mitwirkung von Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Raymond Queneau, Dora Maar und Valentine Hugo szenisch gelesen. Seine Erstaufführung erlebte es 1950 im Londoner Watergate Theatre.[125]

Paul Celan übersetzte dieses Drama unter dem Titel Wie man Wünsche beim Schwanz packt ins Deutsche. Seine deutschsprachige Erstaufführung fand 1956 im Kleintheater Bern unter der Regie von Daniel Spoerri und der Mitwirkung unter anderem von Meret Oppenheim (Bühnenbild und Kostüme) statt. Veit Relin bearbeitete das Stück 1971 für das ZDF. Der Deutschlandfunk schrieb anlässlich der vom SDR 1980 produzierten Hörspielversion dieser „dadaistischen, erotischen Komödie“: „Das vom Geist der Psychoanalyse inspirierte Stück ist eine (aber)witzige Collage absurder Szenen und surrealer Begegnungen eines Dichters, in der Traumbilder und Elemente der realen Welt zu einer befremdlichen Synthese verschmelzen.“[126]

1948 schrieb Picasso ein weiteres Schauspiel Les quatre petites, das unter dem Titel Vier kleine Mädchen ins Deutsche übersetzt[127] und 1981 in London uraufgeführt wurde.

Rezeption

Zeugnisse von Zeitgenossen

Pablo Gargallo: Büste von Pablo Picasso, Bronze, 1915

Picassos Landsmann Salvador Dalí reiste 1926 zum ersten Mal nach Paris und besuchte Picasso. „Als ich bei Picasso ankam, war ich so tief bewegt und voller Respekt, als hätte ich eine Audienz beim Papst“.[128] Im Jahr 1934 lieh Picasso Dalí das Geld für eine Überfahrt in die USA, das Dalí nie zurückzahlen sollte. Die Wertschätzung sollte sich später ändern, sie wurden Konkurrenten und Dalí im Gegensatz zu Picasso ein Anhänger Francisco Francos. Bekannt wurde Dalís Ausspruch:

„Picasso es pintor, yo también; Picasso es español, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco.“[129]

(„Picasso ist Maler, ich auch; Picasso ist Spanier, ich auch; Picasso ist Kommunist, ich auch nicht.“)

Der surrealistische Schriftsteller André Breton lobt in seiner Schrift Der Surrealismus und die Malerei aus dem Jahr 1928 den Künstler: „Man muß bar sein allen Vorstellungsvermögens von der außerordentlichen Prädestination Picassos, um auch nur zu wagen, ein Nachlassen bei ihm zu befürchten. O Picasso, der Du den Geist bis zu seinem höchsten Grade nicht des Widerspruchs, aber der Befreiung getrieben hast […].“

Der Galerist Ambroise Vollard berichtet in seiner Schrift Erinnerungen eines Kunsthändlers 1936 über die Reaktion des Publikums anlässlich der Ausstellungen seiner Werke: „Jedes neue Werk Picassos entsetzt das Publikum, bis das Erstaunen sich in Bewunderung verwandelt.“

Maurice de Vlaminck äußert sich 1942 kritisch: „Er zieht keinen Strich, legt keine Farbe auf, ohne an ein Original zu erinnern. Giorgione, El Greco, Steinlen, Lautrec, griechische Masken und Figurinen: Er benutzt alles […] Das einzige, was Picasso nicht fertigbringt: einen ‚Picasso‘, der von Picasso stammt“ (Nachdruck in „Mein Testament“, 1959).

Max Ernst dagegen bewundert Picasso in einem Interview des Spiegel im Jahr 1970 mit den Worten: „Picasso, gegen den kann doch niemand ankommen, der ist doch das Genie.“[130]

Beziehung zu Matisse

Die Beziehung zu Henri Matisse ist in folgendem Abschnitt dargestellt: → Matisse’ Beziehung zu Picasso

Der Mythos Picasso – „Picasso und die Mythen“

Francisco López Hernández: Picasso gewidmete Skulptur vor seinem Geburtshaus in Málaga, Bronze, 2008

„Jede Unterhaltung mit dem Piloten ist verboten.“

– PABLO PICASSO[131]

Kein anderer Künstler des 20. Jahrhunderts war so umstritten und keiner ist so berühmt geworden wie Picasso. Keiner war so früh schon, so lange und schließlich so übereinstimmend als der entscheidende Künstler seiner Epoche gedeutet worden. Keiner wurde so oft zum Thema in Dichtungen oder Filmen.[132] Schon Picassos Vater soll dem Sohn die Ehre erwiesen haben wie das von Sabartés wiedergegebene Zitat Picassos zeigt: „Da gab er mir seine Farben und seine Pinsel und hat nie mehr gemalt“. Der Vater soll dies zu einem Zeitpunkt getan haben, als der junge Pablo von ihm nichts mehr lernen konnte.[132]

Die Meinungen über Picasso zeigen alle Extreme der gängigen Auffassungen von der Moderne und steigerten sich ins Unübersehbare.[133] Bereits die beachtliche Menge an biografischer Überlieferung stellt „nur einen Tropfen“ dar im Vergleich zu dem seit Jahrzehnten fließenden Strom von Stellungnahmen, Kritiken, Untersuchungen und Büchern zum Werk Picassos.[133] Für Klaus Herding ist das Werk Picassos die Herausforderung der Avantgarde schlechthin,[1] und in den Augen Werner Spies’ ist Picasso wiederum „fraglos der größte Zeichner“ des 20. Jahrhunderts.[134] Nach William Rubin repräsentiert das Werk Picassos durch die „Vielfalt seiner Stile, dem Abwechslungsreichtum und seiner Schöpferkraft die Kunst des 20. Jahrhunderts als Ganzes.“[135]

Streetart in València

2002 zeigte das Bucerius Kunst Forum in Hamburg die Ausstellung „Picasso und die Mythen“. Petra Kipphoff rezensierte in der Zeit: „Picasso und die Frauen, Picasso und die Kinder, Picasso und der Tod, Picasso und der Krieg, Picasso, der Maler, der Plastiker, der Zeichner, der Grafiker: Kein anderer Künstler des 20. Jahrhunderts ist so viel ausgestellt, so extensiv publiziert und kommentiert worden. […] Für den Spanier und bekennenden Macho Pablo Picasso aber war der Stier der Fixpunkt der Mythen und die präferierte andere Identität. Der Minotaurus, Ergebnis eines sorgfältig vorbereiteten Seitensprungs der kretischen Königin Pasiphae mit einem Stier, ist der Anfang aller Männlichkeitssagen. Picasso hat ihn nicht nur immer wieder zitiert, sondern spielt selber auch mit der Doppelrolle von Mann und Stier, mal heiter, mal aggressiv. Und dass der Mythos der Vorzeit sich auch seine Bestätigung auf der Straße im 20. Jahrhundert holen kann, zeigt der berühmte Stierschädel von 1942, bei dem Picasso den Sattel und die Lenkstange eines Fahrrades so montierte, dass in der Tat die Silhouette eines Stierkopfes sichtbar wird.“[136]

„Hommage à Picasso“

Paul Klee: Hommage à Picasso, 1914, Zentrum Paul Klee, Bern

69 Exponate von zeitgenössischen Künstlern, die Picasso und sein Werk zitieren, präsentierte eine Ausstellung mit dem Titel „Hommage à Picasso“ anlässlich der 1000-Jahr-Feier der Stadt Kronach im Jahr 2003. Die Künstler hatten ihm ihre künstlerische Reverenz zu seinem 90. Geburtstag im Jahr 1971 erweisen wollen. Die präsentierten Linolschnitte, Radierungen und Lithografien stammen aus den Jahren 1971 bis 1974, und wurden 1973 und 1974 erstmals in einem Mappenwerk, herausgegeben vom Propyläen Verlag, Berlin, und der Pantheon Presse, Rom, publiziert. Die Mappe umfasst unter anderem Werke von Künstlern wie Henry Moore, Max Bill, Allen Jones, Robert Motherwell, Jacques Lipchitz, Giacomo Manzù, Pierre Alechinsky, Joseph Beuys, Roy Lichtenstein, Michelangelo Pistoletto, Richard Hamilton, Walter De Maria und Hans Hartung, die mit ihrer spezifischen künstlerischen Formensprache Picasso ehrten.[137]

Dem im Jahr 1973 entstandenen Werk Joan Mirós unter dem Titel Hommage à Picasso gingen bereits im Jahr 1912 Juan Gris’ und 1914 Paul Klees gleichnamige Bilder voran.

Die Deutsche Guggenheim zeigte 2006 eine von der Konzeptkünstlerin Hanne Darboven als Auftragsarbeit aktualisierte und erweiterte Version ihrer Arbeit Hommage à Picasso aus den Jahren 1995/96. Darboven stellte 9720 Schriftblätter in 270 Rahmen in einer Rauminstallation eine Kopie von Picassos Gemälde Sitzende Frau im türkischen Kostüm gegenüber, – sein Original entstand 1955 – die durch eine Serie von Skulpturen, einer bronzenen Büste Picassos bis hin zu aus Birkenzweigen geflochtenen Eseln komplettiert wurde. Ein weiterer Teil der Arbeit war Opus 60, eine während der Ausstellung aufgeführte musikalische Komposition.[138]

Neubewertung von Picassos Spätwerk

Nachdem bereits 1992/93 die Hamburger Kunsthalle, die Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, München und die Neue Nationalgalerie, Berlin in der Ausstellung „Picasso, Die Zeit nach Guernica 1937–1973“ das Spätwerk des Künstlers zeigten, fand anlässlich von Picassos 125. Geburtstag in Ausstellungen der Albertina, Wien und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, unter dem Titel „Picasso – Malen gegen die Zeit“ im Jahr 2006 eine Neubewertung von Picassos Spätwerk statt, das lange Zeit in der Kritik gestanden hatte. „Unzusammenhängende Schmierereien, ausgeführt von einem rasenden Greis im Vorzimmer des Todes“, urteilte beispielsweise der Sammler und Kunsthistoriker Douglas Cooper über das verstörende wilde Spätwerk Picassos.[139]

Den Katalog zur Ausstellung gab Werner Spies heraus, der Picasso persönlich gekannt hatte und als ausgezeichneter Experte seines Werkes gilt. „Pablo Picasso hat die Kunst des 20. Jahrhunderts so nachhaltig geprägt wie kein zweiter. Unter den zahlreichen Phasen und Stilperioden in seinem Schaffen nimmt das Alterswerk eine besondere Stellung ein. Seine späten Bilder, die mit allen Fasern an Sinnlichkeit und Umarmung hängen, die Kuss und Kopulation in Großaufnahmen zeigen, sind geprägt von einer großen Rastlosigkeit, die darauf zielt, den Tod zu exorzieren. Den meisterhaft schnellen, ‚wilden‘ Gemälden stehen technisch akribisch ausgeführte Zeichnungen gegenüber, in denen eine einzigartige Erzählfreude vorherrscht. Anhand von fast 200 Werken – Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken und Skulpturen – die besondere Arbeitsweise und Dialektik von Picassos später Kunst. Vor allem der spannungsvolle Dialog von Malerei und Zeichnung, entwickelt in den Jahren in Mougins, zeigt den größten Künstler des 20. Jahrhunderts im Wettlauf mit der ihm noch verbleibenden Zeit.“[140]

Film und Theater

Der französische Filmregisseur Henri-Georges Clouzot brachte 1956 unter dem Titel Picasso (Le Mystere Picasso) einen im Reportage-Stil hergestellten Dokumentarfilm über Pablo Picasso und dessen Arbeitsweise in die Kinos. In Jean Cocteaus Film aus dem Jahr 1960, Le Testament d’Orphée (Das Testament des Orpheus), hatte Picasso einen Cameo-Auftritt. 1978 wurde die schwedische Filmkomödie Die Abenteuer des Herrn Picasso (Picassos äventyr) gedreht, die Regie führte Tage Danielsson. Im Jahr 1996 entstand die Filmbiografie Mein Mann Picasso (Surviving Picasso), in der Sir Anthony Hopkins den Maler verkörperte. Der Film spielt in den zehn Jahren von 1943 bis 1953, als Gilot Picassos Lebensgefährtin war.

Picassos Bild Mädchen mit Taube spielt eine zentrale Rolle in der von Adolf Kabatek ersonnenen Disney-Geschichte Picasso-Raub in Barcelona (1985), ein Comic, in der Dagobert Duck mit seiner Verwandtschaft allerlei Abenteuer in und um Barcelona erleben. In dem 184-minütigen Dokumentarfilm 13 Tage im Leben von Pablo Picasso (Frankreich 1999, ARTE-Edition/absolut Medien), hergestellt von Pierre Daix, Pierre Philippe und Pierre-André Boutang, werden dreizehn Tage, die Wendepunkte in Picassos Leben darstellen, anhand von Kunstwerken, Skizzenbüchern, Gesprächen und Filmausschnitten dokumentiert.

1993 verfasste der amerikanische Schauspieler Steve Martin das Bühnenstück Picasso at the Lapin Agile. Es beschreibt ein imaginäres Treffen im Jahr 1904 von Pablo Picasso und Albert Einstein im Pariser Kabarett Lapin Agile.[141]

Der anderthalbstündige Fernsehfilm Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry entstand im Jahr 2000; er befasst sich mit den Porträts der zwei „Giganten“ in der Kunst des 20. Jahrhunderts. Er zeigt selten veröffentlichte Fotografien ihrer Gemälde und Skulpturen sowie Fotos und Filme aus Archiven, die sie bei der Arbeit zeigen. Geneviève Bujold ist die Stimme von Françoise Gilot, Robert Clary ist Matisse und Miguel Ferrer Picasso. Die mit einem nationalen Emmy ausgestattete Produktion stammt von KERA-Dallas/Fort Worth/Denton in Zusammenarbeit mit dem Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas.[142]

In dem Theaterstück des irischen Autors Brian McAvera Picassos Frauen (Picasso’s Women) erzählen acht Frauen im Rahmen einer fiktiven Pressekonferenz von ihrem Leben mit dem Künstler in der Reihenfolge der Bekanntschaft mit Picasso: Zunächst spricht Fernande Olivier, gefolgt von Eva Gouel, Gabrielle Lespinasse, Olga Chochlowa, Marie-Thérèse Walter, dann Dora Maar, Françoise Gilot und zuletzt Jacqueline Roque. Die Buchausgabe erschien 1998. Ab 2003 fanden Aufführungen in Form von Tourneen statt.[143]

Der italienische Dramatiker und Maler Dario Fo verfasste das Bühnenstück Picasso desnudo, das 2012 uraufgeführt wurde. Die hierfür entstandenen Bilder empfand er selbst nach als „Falso Picasso“, da ihm die Bildrechte zu teuer erschienen. Sie wurden im November 2014 in einer Stuttgarter Galerie gezeigt.[144]

Ebenfalls 2012 wurde der Film La banda Picasso unter der Regie des Spaniers Fernando Colomo gedreht. Er befasst sich mit dem spektakulären Raub des Gemäldes der Mona Lisa, der anfangs Guillaume Apollinaire und Picasso unter Verdacht geraten ließ.[145]

Die 2013 entstandene Dokumentation von Hugues Nancy, Picasso, l’inventaire d’une vie (in der deutschen Fassung Looking for Picasso), zeigt chronologisch viele seiner Werke wie in einem Tagebuch, insbesondere auch bis dahin nicht gezeigte Werke aus dem persönlichen Nachlass. Seine Kernthese ist, Françoise Gilot zitierend, ebenso John Richardson, einem Wechsel in der Beziehung zu Frauen folgte bei Picasso ein Stilwechsel.[146][147] Sie enthält Interviews mit Familienmitgliedern, Freunden, Anwälten und Biografen.

Eine Fernsehserie des National Geographic Channel zeigte ab April 2018 in der Reihe Genius in der deutschsprachigen Fassung unter dem Titel Genie: Picasso das Leben des Künstlers. Der Hauptdarsteller des älteren Picasso ist Antonio Banderas.[148]

Im Fernsehen auf Arte wurde der Film Blow up – Picasso am 12. April 2021 gezeigt. Er ist abrufbar bis zum 14. April 2024.[149]

Kunstmarkt

Unter den teuersten Gemälden der Welt befinden sich Werke von Picasso, darunter: Les femmes d’Alger (Version "O"), Akt mit grünen Blättern und Büste, Junge mit Pfeife sowie Dora Maar mit Katze. Am 13. Mai 2021 wurde das 1932 vollendete Werk Sitzende Frau am Fenster (Marie-Thérèse) auf einer Auktion bei Christie’s in New York veräußert. Innerhalb von 19 Minuten Auktionszeit erreichte das Bild einen Verkaufspreis von 90 Millionen Dollar. Inklusive der Kommission und Gebühren wurde die symbolisch wichtige Marke von 100 Millionen Dollar Auktionswert überboten, sodass das Werk insgesamt für 103,4 Millionen Dollar (umgerechnet etwa 85,4 Millionen Euro) den Besitzer wechselte.[150]

Picassos Werke blieben auch nicht von Fälschungen verschont. Bereits im Jahr 1974 drehte Orson Welles die Dokumentation F for fake, in der er Kunstfälscher porträtierte; unter ihnen ist der ungarische Maler Elmyr de Hory, der serienweise „Picassos“ täuschend ähnlich kopierte.[151]

„Picasso-Fund“ 2010

Bei Picassos früherem Elektriker Pierre Le Guennec und seiner Frau wurden 2010 271 bisher unbekannte Werke Picassos entdeckt, die angeblich in Guennecs Garage 40 Jahre lang lagerten und als Lohn für handwerkliche Arbeiten deklariert wurden. Ein sich anschließender Prozess wegen Hehlerei wurde im März 2015 mit einer Strafe von zwei Jahren auf Bewährung abgeschlossen. Näheres findet sich im Artikel zum Nachlassverwalter Claude Picasso.

Diebstähle

Der Wert des Gemäldes Buste de Femme aus 1938 wurde 2019 auf 25 Millionen Euro geschätzt. Unbekannte hatten es 1999 von einer Jacht, auf Anker vor Antibes, Frankreich gestohlen. Die Versicherung hatte damals eine Belohnung von 400.000 Euro ausgesetzt. Ein Kunstdetektiv hatte einen Hinweis aus der Unterwelt erhalten und fand 2019 das Bild bei einem Geschäftsmann in Amsterdam. Der Diebstahl ist verjährt, das Bild wurde der Versicherung übergeben.[152]

Vom 19. auf den 20. Mai 2010 wurde u. a. Taube mit Erbsen, 1911 oder Frühjahr 1912 kubistisch gemalt, aus dem Musée d’art moderne de la Ville de Paris gestohlen und aus dem Rahmen geschnitten.[153] 2017 wird vom Prozess gegen drei Verdächtige berichtet, das Bild bleibt verschollen.[154]

Im Juni 2021 wurden die Gemälde Frauenkopf von Picasso aus dem Jahr 1939 und ein beschädigtes Werk von Piet Mondrian in einem Lagerhaus 50 km entfernt von Athen gefunden, die 2012 aus der Nationalgalerie (Athen) geraubt worden waren. Ein Verdächtiger wurde ermittelt. Picassos Werk wird auf 16,5 Millionen Euro geschätzt. Er hatte das Bild Griechenland höchstpersönlich für den Widerstand gegen die Nationalsozialisten übergeben.[155]

Tourismus

Fassade des Col·legi d’Arquitectes

Die „Picasso Route“ in der katalanischen Stadt Barcelona führt zu seiner Ausbildungsstätte „La Llotja“, zum Künstlercafé Els Quatre Gats, dem Ort seiner ersten Ausstellung, zum Museu Picasso, und zeigt die drei Friese an der Fassade des Col·legi d’Arquitectes, die nach Picassos Zeichnungen von dem norwegischen Künstler Carl Nesjar (1920–2015) geschaffen wurden, sowie den Wohnort der Familie, das Gebäude Porxos d’en Xifré.[156]

Seit 2009 gibt es die „Route Picasso“ in Südfrankreich, die von Avignon bis Antibes führt. Sie leitet den kunstinteressierten Touristen zu Lebens- und Wirkungsstätten des Künstlers.[157]

Astronomie

Der Asteroid (4221) Picasso wurde 1990 nach ihm benannt.[158]

Ausstellungen (Auswahl)

- Werke von Pablo Picasso wurden in der Galerie 291 (1911), der Armory Show (1913), der documenta 1 (1955), der documenta II (1959), der documenta III (1964), der documenta 6 (1977) und der documenta 8 im Jahr 1987 in Kassel ausgestellt.

- 1913: Pablo Picasso, Moderne Galerie Heinrich Thannhauser, München. Weltweit erste große Galerieausstellung

- 1925: Erste gemeinsame Ausstellung der Surrealisten in der Galerie Pierre, Paris

- 1932: Picasso, Kunsthaus Zürich. Weltweit erste Museumsretrospektive

- 1936: International Surrealist Exhibition, Burlington Galleries, London

- 1938: Exposition Internationale du Surréalisme, Galerie Beaux-Arts, Paris

- 1939: Retrospektive im Museum of Modern Art, New York

- 1971: Erste Retrospektive eines lebenden Künstlers im Louvre

- 1973/74: Hommage à Picasso, Kestner-Gesellschaft, Hannover

- 1986: Picasso – Pastelle, Zeichnungen, Aquarelle, Düsseldorf, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Tübingen, Kunsthalle (Katalog von Werner Spies bei Hatje)

- 1993: Picasso. Die Zeit nach Guernica 1937–1973. München, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung

- 1996/97: Picasso et le portrait. Galeries nationales, Grand Palais, Paris

- 2000/01: Picasso. Figur und Porträt, Hauptwerke aus der Sammlung Bernard Picasso im Bank Austria Kunstforum

- 2002/03: Matisse-Picasso. Tate Gallery of Modern Art, London (anschließend: Galeries nationales, Grand Palais, Paris; Museum of Modern Art, New York)

- 2006: Ausstellungen zum 125. Geburtstag[159]

- 2007: Picasso – Malen gegen die Zeit, Alterswerk (Malereien, Grafiken). Albertina, Wien und Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

- 2007: Goya und Picasso – Tauromaquia. Wallraf-Richartz-Museum, Köln

- 2009: Picasso et les maîtres. Galeries nationales, Grand Palais, Paris

- 2010: Picasso und das Atelier. Ausstellung zum zehnjährigen Jubiläum des Graphikmuseum Pablo Picasso

- 2010/11: Picasso: Peace and Freedom, Tate, Liverpool; Picasso: Frieden und Freiheit, Albertina, Wien

- 2010/11: Picasso (Hommage an die Ausstellung von 1932), Kunsthaus Zürich

- 2012: Frauen. Pablo Picasso, Max Beckmann, Willem de Kooning, Pinakothek der Moderne, München

- 2013: Die Picassos sind da! Kunstmuseum Basel, Basel

- 2013: Becoming Picasso: Paris 1901, Courtauld Gallery, London

- 2014: Sylvette, Sylvette, Sylvette. Picasso und das Modell, Kunsthalle Bremen, 22. Februar bis 22. Juni 2014

- 2014: Picasso TV, Museo Picasso, Málaga, 30. Juni bis 16. November 2014[160]

- 2014/15: Picasso / Dali, Dali / Picasso, Dalí Museum, St. Petersburg, Florida, 8. November 2014 bis 16. Februar 2015; anschließend Museu Picasso, Barcelona, 19. März bis 28. Juni 2015

- 2015/16: Picasso Sculpture, Museum of Modern Art, New York, 14. September 2015 bis 7. Februar 2016

- 2015/16: Picasso.mania (Gruppenausstellung), Petit Palais, Paris, 7. Oktober 2015 bis 29. Februar 2016[161]

- 2016: Picasso. Fenster zur Welt, Bucerius Kunst Forum, Hamburg, 6. Februar bis 16. Mai 2016[162]

- 2016/17: Picasso. Sculptures, Palais des Beaux-Arts (BOZAR), Brüssel, 26. Oktober 2016 bis 5. März 2017

- 2017: Olga Picasso, Musée Picasso, Paris, 21. März bis 3. September 2017

- 2019: Der junge Picasso – Blaue und Rosa Periode, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, 3. Februar 2019 bis 26. Mai 2019

- 2019/20: Magic Paintings. Musée Picasso, Paris, 1. Oktober 2019 bis 23. Februar 2020

- 2020: Pablo Picasso. Kriegsjahre 1939 bis 1945. K20/K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 15. Februar bis 14. Juni 2020

- 2021: Picasso & Les Femmes d’Alger. Museum Berggruen, Berlin. 21. Mai bis 29. August 2021

Werke (Auswahl)

Kopf einer Frau von Picasso in Halmstad, Schweden

Nach dem kleinen Original Homme aux bras écartés (1961) vergrößerte Picassoskulptur am Kunstmuseum Basel (Neue Fassung von 2007)

Bildnerisches Werk

- ab 1889: Einige Jugendwerke Picassos

- 1897: Wissenschaft und Barmherzigkeit, Öl auf Leinwand, 197 × 249,5 cm, Museu Picasso, Barcelona

- 1901: Evokation – Das Begräbnis Casagemas, Öl auf Leinwand, 150 × 90 cm, Musée Picasso, Paris.

- 1901: La Gommeuse, Öl auf Leinwand, 81,3 × 54 cm, Privatsammlung.

- 1902: Eingeschlafene Trinkerin (Buveuse assoupie), Öl auf Leinwand, 80 × 60,5 cm, Kunstmuseum Bern

- 1902: Die beiden Schwestern, Öl auf Leinwand, 152 × 100 cm, Eremitage, Sankt Petersburg

- 1902: Melancholie, Öl auf Leinwand, 100 × 69,2 cm, Detroit Institute of Arts, Detroit

- 1903: Familie Soler, Öl auf Leinwand, 150 × 200 cm, Le Musée d’Art moderne et d’Art contemporain, Liège (Lüttich)[163]

- 1903: Das Leben (La Vie), Öl auf Leinwand, 197 × 127 cm, Cleveland Museum of Art

- 1904: Das karge Mahl, Radierung, 46,3 × 37,7 cm, Ulmer Museum, Ulm

- 1904: Die Büglerin, Öl auf Leinwand, 116 × 73 cm, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York Abb.

- 1904: Frau mit Krähe, Holzkohle, Pastel und Aquarell auf Papier, 64,6 × 49,5 cm, Toledo Museum of Art

- 1905: Sitzender Harlekin, Aquarell und Tusche auf Karton 57,2 × 41,2 cm Sammlung Berggruen, Berlin

- 1905: Junge mit Pfeife, Öl auf Leinwand, 100 × 81,3 cm, Privatbesitz

- 1905: Die Gaukler (Les Saltimbanques), Öl auf Leinwand, 212 × 229 cm, National Gallery of Art, Washington

- 1906: Bildnis Allan Stein, Gouache auf Karton, 74 × 59,7 cm, Baltimore Museum of Art Abb.

- 1906: Bildnis Gertrude Stein, Öl auf Leinwand, 100 × 81 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York

- 1906: Selbstbildnis, Öl auf Leinwand, 93 × 73 cm, The Philadelphia Museum of Art

- 1907: Les Demoiselles d’Avignon, Öl auf Leinwand, 243,9 × 233,7 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1908: Die große Dryade, Öl auf Leinwand, 185 × 108 cm, Eremitage, St. Petersburg

- 1910: Porträt Ambroise Vollard, Öl auf Leinwand, 92 × 65 cm, Puschkin-Museum, Moskau Abb.

- 1910: Bildnis Daniel-Henry Kahnweiler, Öl auf Leinwand, 101 × 73 cm, The Art Institute of Chikago

- 1910: Frau mit Senftopf, Öl auf Leinwand, etwa 29 × 24 cm, Gemeentmuseum, The Hague Abb.

- 1919: Schlafende Bauern, Tempera, Aquarell und Bleistift, 31,1 × 48,9 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1920: Zwei sitzende Frauen, Öl auf Leinwand, 195 × 163 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

- 1921: Drei Musikanten, Öl auf Leinwand, 200,7 × 222,9 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1921: Drei Frauen am Brunnen, Öl auf Leinwand, 203,9 × 1744 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1923: Die Flöte des Pan, Öl auf Leinwand, 205 × 174,5 cm, Musée Picasso, Paris Abb.

- 1924: Paolo als Harlekin, Öl auf Leinwand, 130 × 97 cm, Musée Picasso, Paris

- 1925: Die Umarmung (Der Kuss), 130,5 × 97,7 cm, Musée Picasso, Paris Abb.

- 1925: Die drei Tänzerinnen (Les Trois Danseuses), Öl auf Leinwand, 215 × 142 cm, Tate Modern, London

- 1927: Sitzende Frau, Öl auf Holz, 130 × 97 cm, The Museum of Modern Art, New York

- 1930: Sitzende Badende am Meeresstrand, Öl auf Leinwand, 163,2 × 129,5 cm, The Museum of Modern Art, New York

- 1932: Akt mit grünen Blättern und Büste, Öl auf Leinwand, 162 × 130 cm, Privatbesitz

- 1932: Mädchen vor dem Spiegel, Öl auf Leinwand, 162,5 × 130 cm, The Museum of Modern Art, New York

- 1932: Le Rêve (Gemälde) (Der Traum), Öl auf Leinwand, 130 × 98 cm, Privatbesitz

- 1935: Interieur mit zeichnendem Mädchen, Öl auf Leinwand, 130 × 195 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1937: Bildnis Dora Maar, Öl auf Leinwand, 92 × 65 cm, Musée Picasso, Paris Abb.

- 1937: Porträt Lee Millers als Arlésienne, Öl auf Leinwand, Museu Picasso, Barcelona Abb.

- 1937: Die weinende Frau, Tate Modern, London Abb.

- 1937: Guernica, Öl auf Leinwand, 349,3 × 776,6 cm, Museo Reina Sofia, Madrid

- 1939: Nächtlicher Fischfang in Antibes, Öl auf Leinwand, 205,7 × 345,4 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1941: Dora Maar mit Katze (Dora Maar au Chat), Öl auf Leinwand, 130 × 97 cm, Privatbesitz

- 1942: Das Morgenständchen (L'aubade, Serenade), Öl auf Leinwand, 195 × 265 cm, Centre Pompidou[164]

- 1945: Das Beinhaus, Öl auf Leinwand, 199,8 × 250,1 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1946: La femme-fleur, Porträt von Francoise Gilot, Öl auf Leinwand, 146 × 89 cm, Collection Particuliére

- 1951: Massaker in Korea, Öl auf Sperrholz, 109,5 × 209,5 cm, Musée Picasso, Paris

- 1954: Porträt von Sylvette, Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm, Privatbesitz Abb. Bildauswahl aus einer Porträtreihe Sylvette

- 1954/55: Les Femmes d’Alger (Die Frauen von Algier), 15 Versionen, inspiriert von Delacroix’ Die Frauen von Algier

- 1956: Das Atelier „La Californie“ in Cannes, Öl auf Leinwand, 89 × 116 cm, Musée Picasso, Paris

- 1957: Las Meninas nach Velazquez, Öl auf Leinwand, 194 × 260 cm, Museu Picasso, Barcelona Abb.

- 1958: Der Sturz des Ikarus, 800 × 1000 cm, Wandgemälde UNESCO, Delegates’ Lobby, Paris Abb.

- 1961: Frühstück im Freien nach Manet, Öl auf Leinwand, 60 × 73 cm, Museum Ludwig, Köln

- 1963: Frau mit Spiegel, Öl auf Leinwand, 116 × 89 cm, Privatbesitz

- 1964: Femme au chat assise dans un fauteuil, Öl auf Leinwand, 130 × 81 cm, Christie’s, New York an Dimitri Mavromatis

- 1965: Nackte Frau, Öl auf Leinwand, 115,8 × 88,5 cm, Christie’s, London

- 1969: Zwei Kämpfer III, roter Filzstift auf Papier, 11,7 × 18,4 cm, Sotheby’s, London

- 1961: Mann mit Pfeife, Öl auf Leinwand, 130,2 × 97,2 cm, Sotheby’s, London

- 1968: Frauenraub, Radierung, Staatliche Kunstsammlungen Dresden

- 1972: Der junge Maler III, Öl auf Leinwand, 91 × 72,5 cm, Musée Picasso, Paris

- 1972: Selbstporträt, Wachsstift auf Papier, 65,7 × 50,5 cm, Fuji Television Gallery, Tokio Abb.

- 1973: Sitzender Mann, rote Kreide auf Papier, 33,7 × 26,7 cm, Sotheby’s, London

Bildhauerisches Werk

- 1905: Der Hofnarr, Bronze, 40 × 35 × 22 cm, Privatsammlung

- 1909: Kopf von Fernande, Bronze, 41,3 cm hoch, Musée Picasso, Paris Abb.

- 1928: Drahtkonstruktion (Denkmal für Guillaume Apollinaire), Metalldraht, 50,5 × 40,8 × 18,5 cm, Musée Picasso, Paris

- 1929–1930: Frau in einem Garten, Bronze, 210 × 117 × 82 cm, Sammlung Paloma Picasso Lopez, Paris

- 1932: Kopf einer Frau, Bronze, 128,5 × 54,5 × 62,5 cm, Musée Picasso, Paris

- 1934: Frau mit Blättern, Bronze, 38 × 18,7 × 25,8 cm, Musée Picasso, Paris

- 1942: Stierschädel, Assemblage aus Fahrradsitz und Fahrradgriff, 33,5 × 43,5 × 19 cm, Musée Picasso, Paris Abb.

- 1943: Totenkopf, Bronze, 25 × 21 × 31 cm, Musée Picasso, Paris

- 1944: Mann mit Schaf, Bronze, 220 × 78 × 72 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

- 1950: Frau mit verschränkten Armen, Bronze, 34 × 10 × 10 cm, Sammlung Paloma Picasso Lopez, Paris

- Frau mit Kinderwagen, diverse Materialien, 203 × 145 × 61 cm, Museum Ludwig, Köln,

- 1951: Pavian mit Jungem, Bronze, 53,3 × 33,7 × 42,7 cm, The Museum of Modern Art, New York

- 1952–1953: Lesende Frau, Bronze bemalt, 15,5 × 35,5 cm, Privatsammlung, Paris

- 1959: Der Arm, Bronze, 57,8 × 16,5 × 16 cm, Hirschhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.

- 1962: Kopf, Eisen, Metall, 105 × 70 × 48 cm, The Art Institute of Chicago, Chicago

- 1964: Sitzender Faun, Glas, handgeblasen, 11,5 cm, Sotheby’s, London

- 1972: Monument, 395,3 × 149,2 × 319,3 cm, The Museum of Modern Art, New York

Sammlungen in Museen

Umfangreiche Werkgruppen zu Picasso sind in Deutschland im Museum Berggruen in Berlin, im Sprengel Museum Hannover, in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf, im Museum Ludwig in Köln sowie in der Staatsgalerie Stuttgart ausgestellt. Sein grafisches Werk ist nahezu komplett im Kunstmuseum Pablo Picasso Münster zu sehen. Bedeutende Sammlungen von Gemälden Picassos in der deutschsprachigen Schweiz werden im Kunstmuseum Basel, in der Fondation Beyeler in Riehen, in der Sammlung Rosengart in Luzern sowie im Kunstmuseum Bern gezeigt.

In Frankreich finden sich Sammlungen im Musée Picasso in Paris, im Musée national Picasso La Guerre et la Paix de Vallauris, im Lille Métropole Museum für Moderne Kunst, Zeitgenössische Kunst und Art Brut in Villeneuve-d’Ascq sowie im Musée Picasso Antibes im Chateâu Grimaldi. In Russland im Puschkin-Museum in Moskau und in der Eremitage, Sankt Petersburg. In Spanien im Museu Picasso, Barcelona, im Museo Reina Sofía, Madrid sowie im Museo Picasso in Málaga und in den USA im Museum of Modern Art, New York und im Art Institute of Chicago.

Literatur

Werkverzeichnisse und Hilfsmittel

Lexika

- Pierre Daix: Dictionaire Picasso. Robert Laffont, Paris 1995.

- Johannes M. Fox: Picassos Welt. Ein Lexikon. Bd. 1–2. Projekte Verlag Cornelius, Halle 2008.

Werkübersichten

- Pablo Picasso: Blaue u. rosa Periode, mit einer Einführung von Otto Benesch, Desch Verlag, München, Wien, Basel 1954. DNB-Link

- Herschel Chipp, Alan Wofsy: Picasso-Project. Picasso’s Paintings, Watercolours, Drawings and Sculpture. A. Comprehensive Illustrated Catalogue 1885–1973, bisher 22 Bde. Alan Wofsy, San Francisco 1995 ff.

- Juan-Eduardo Cirlot: Pablo Picasso. Das Jugendwerk eines Genies. DuMont, Köln 1972.

- Christian Zervos: Catalogue Raisonné des Œuvres de Pablo Picasso. Éditions Cahiers d’Art, Paris, 1932–1978 (Werkverzeichnis, 33 Bände mit 16.000 S/W-Repros; Neuauflage, hrsg. von Staffan Ahrenberg, 2014)[165][166]

Grafik und Handzeichnung

- Brigitte Baer, Bernhard Geiser: Picasso. Peintre-Graveur. Catalogue Raisonne de l’oeuvre grave et lithographie et des monotypes 1899–1972 Bd. I–VII [+ addendum zum Catalogue Raisonné 1969–1972]. Kornfeld, Bern 1984–1996.

- Georges Bloch: Picasso. Catalogue de l’oeuvre gravé et lithographié. Bd. 1–2 und 4. Kornfeld, revidierte Aufl. Bern 1975, Bd. 2 und 4 in nochmals revidierter Aufl. im Rahmen des Picasso-Project (s. Weblinks) Wofsy, San Francisco 2004; Bd. 3 Catalogue de l’oeuvre gravé ceramique. Kornfeld und Klipstein, Bern 1972.

- Arnold Glimcher: Je suis le cahier. Die Skizzenbücher Pablo Picassos. Rowohlt, Reinbek 1986.

- Ernst-Gerhard Güse, Bernhard Rau: Pablo Picasso. Die Lithographien. Gerd Hatje, Stuttgart 1988, ISBN 3-7757-0261-X.

- Fernand Mourlot: Picasso, Lithograph. Sauret, Paris 1970, DNB 457641908.

Angewandte Grafik

- Christophe Czwiklitzer: Pablo Picasso. Plakate 1923–1973. Werkverzeichnis. Deutscher Taschenbuchverlag dtv, München 1981, ISBN 978-3-423-02875-2.

- Sebastian Goeppert, Herma Goeppert-Frank, Patrick Cramer: Pablo Picasso. Die illustrierten Bücher. Hatje, Ostfildern 1995.

Keramik und Skulptur

- Georges Ramié: Céramiques de Picasso. Fotografien von Edward Quinn. Cercle d’Art, Paris 1974.

- Alain Ramié: Picasso de l’Oeuvre Ceramique Édité 1947–1971. Madoura, Vallauris 1988.

- Werner Spies (Hrsg.): Picasso: Skulpturen. Hatje Cantz, Ostfildern 2000, ISBN 3-7757-0908-8.

Selbstzeugnisse

- Peter Schifferli (Hrsg.): Pablo Picasso. Wort und Bekenntnis. Die gesammelten Dichtungen und Zeugnisse. Übers. Elisabeth Schnack, Paul Celan. Ullstein, Frankfurt am Main 1957.

Biografien

- Wilhelm Boeck: Pablo Picasso, mit einer Lebensbeschreibung von Jaime Sabartes. Kohlhammer, Stuttgart 1955

- Mary Ann Caws: Pablo Picasso. „Malerei ist nie Prosa“. Ein Porträt. Piet Meyer, Bern 2010, ISBN 978-3-905799-06-4.

- Siegfried Gohr: Pablo Picasso. Leben und Werk. Ich suche nicht, ich finde. DuMont, Köln 2006, ISBN 3-8321-7743-4.

- Arianna Stassinopoulos Huffington: Picasso. Genie und Gewalt. Droemer Knaur, München 1988, ISBN 3-426-26399-8.

- Norman Mailer: Picasso. Portrait des Künstlers als junger Mann. Piper, München Zürich 1996, ISBN 3-492-03878-6.

- Patrick O’Brian: Pablo Picasso. Eine Biographie. Hoffmann und Campe, Hamburg 1979, ISBN 3-455-08890-2; Ullstein, Hamburg 1982.

- Roland Penrose: Pablo Picasso. Sein Leben – sein Werk. Originalausgabe 1958, 2. Aufl., Heyne, München 1985, ISBN 3-453-55083-8 (eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche, englisch).

- John Richardson, Marilyn McCully: A Life of Picasso. New York 1996 ff. (bisher 3 Bde.; Bd. 1–2 auch auf deutsch bei Kindler, München 1991; 1997).

- Wilfried Wiegand: Picasso. Mit Selbstzeugnissen und Bilddokumenten. Rowohlt, Reinbek bei Hamburg 19. Aufl. 2002, ISBN 978-3-499-50205-7.

Darstellungen von Freunden und der Familie

- Joe F. Bodenstein: Picasso in Arno Breker – une biographie. Èditions SÉGUIER Paris, französische Erstausgabe 2016, ISBN 978-2-84049-690-8.

- Brassaï: Gespräche mit Picasso. Rowohlt, Reinbek 1966, 2. Aufl. 1985, ISBN 3-499-15593-1 (Original: Conversation avec Picasso, Paris 1964)

- Ilja Ehrenburg: Memoiren. Menschen, Jahre, Leben. Bd. 1, 1891–1922. München 1962, wieder 1965, ISBN 3-463-00511-5, S. 296–311.

- Françoise Gilot/Carlton Lake: Leben mit Picasso. Diogenes, Zürich 1987, ISBN 978-3-257-21584-7 (Original: Life with Picasso, New York 1964)

- Daniel-Henry Kahnweiler: Meine Maler, meine Galerien. DuMont Schauberg, Köln 1961

- Fernande Olivier: Picasso und seine Freunde. Erinnerungen aus den Jahren 1905–1913. Vorwort Paul Léautaud. Übers. Gertrud Droz-Rüegg. Diogenes, Zürich 1989, ISBN 978-3-257-21748-3 (Es gibt frühere Ausgaben.- Original Picasso et ses amis. 1933)

- Geneviève Laporte: Si tard le soir le soleil brille. Éditions Plon, Paris 1973 (Weitere Bücher über Picasso folgten.)

- Antony Penrose: Der Junge, der Picasso biss (Kinderbuch). Aus dem Englischen von Egbert Baqué, Knesebeck, München 2010, ISBN 978-3-86873-260-3.

- Marina Picasso: Die vergessenen Kinder. Bastei-Lübbe, Bergisch Gladbach 1998, ISBN 3-404-61403-8.

- Marina Picasso: Und trotzdem eine Picasso. Leben im Schatten meines Großvaters. List, München 2001, ISBN 3-471-78443-8.

- Jaime Sabartés: Picasso. Gespräche und Erinnerungen. Mit 17 Porträts und Zeichnungen von Picasso. Arche, Zürich 1956.

- Gertrude Stein: Picasso. Sämtliche Texte 1909–1938. Arche, Hamburg, Neuausgabe 2003, ISBN 978-3-7160-2314-3.

- Olivier Widmaier Picasso (Sohn von Picassos Tochter Maya): Picasso – Porträt der Familie. Prestel, München 2003, ISBN 3-7913-2962-6.

Picasso und die Frauen

- James Lord: Picasso und Dora Maar. Matthes und Seitz, 1994, ISBN 3-88221-797-9.

- Ingrid Mössinger, Kerstin Dechsel, Beate Ritter: Picasso et les femmes – Picasso und die Frauen. DuMont, Köln 2005, ISBN 978-3-8321-7529-0.

- Fernande Olivier: Picasso und seine Freunde. Erinnerungen aus den Jahren 1905–1913. Diogenes, Neuausgabe 1989, ISBN 978-3-257-21748-3. Die französische Originalausgabe erschien im Jahr 1933.

Zum Werk Picassos

- Gereon Becht-Jördens, Peter M. Wehmeier: Picasso und die christliche Ikonographie. Mutterbeziehung und künstlerische Position. Dietrich Reimer, Berlin 2003, ISBN 3-496-01272-2.

- John Berger: Glanz und Elend des Malers Pablo Picasso. Rowohlt, Reinbek 1973.

- Elisabeth Cowling: Picasso. Style and meaning. Berlin, London 2002.

- Pierre Daix: Picasso créateur. La vie intime et l’oeuvre. Paris 1987.

- Mary Matthews Gedo: Picasso. Art as Autobiography. The University of Chicago Press, Chicago/London 1980, ISBN 0-226-28482-4.

- Graphikmuseum Pablo Picasso Münster: Pablo Picasso – Im Atelier des Künstlers. Katalog zur gleichnamigen Ausstellung in Münster (28. August – 21. November 2010). Gesamtltg. von Ausst. u. Katalog: Markus Müller. Hirmer, München 2010, ISBN 978-3-7774-3281-6.

- Klaus Herding: Pablo Picasso: Les Demoiselles d’Avignon. Die Herausforderung der Avantgarde. Frankfurt a. M. 1992, ISBN 3-596-10953-1.

- Katja Herlach: Für den Tag gedruckt. Picassos Gebrauchsgraphik. Sammlung Margadant, Scheidegger & Spiess, Zürich 2005, ISBN 978-3-85881-160-8.

- Kestner-Gesellschaft Hannover: Hommage à Picasso. Ausstellungskatalog, Ansprache von Wieland Schmied, Hannover 1973.

- Josep Palau i Fabre: Picasso. Kindheit und Jugend eines Genies. Könemann, Köln 1998.

- Josep Palau i Fabre: Picasso. Der Kubismus. 1907–1917. Könemann, Köln 1998.

- Josep Palau i Fabre: Picasso. Von den Balletts zu den Dramas. 1917–1926. Könemann, Köln 1999.

- Roland Penrose: Picasso und seine Zeit – Ein Fotobuch. Zürich 1957.

- Roland Penrose: The Sculpture of Picasso. The Museum of Modern Art, New York 1967, ohne ISBN.

- Roland Penrose, John Golding (Hrsg.): Picasso in Retrospect. Praeger Publishers, New York Washington 1973, Granada London 1973.

- Jane Fluegel, William Rubin (Hrsg.): Pablo Picasso. Retrospective im Museum of Modern Art, New York. Prestel, München 1980, ISBN 3-7913-0534-4.

- Werner Spies (Hrsg.): Pablo Picasso: eine Ausstellung zum 100. Geburtstag; Werke aus der Sammlung Marina Picasso. München 1981, ISBN 3-7913-0523-9.

- Werner Spies, Götz Adriani (Hrsg.): Picasso: Pastelle, Zeichnungen, Aquarelle. Gerd Hatje, Stuttgart 1986, ISBN 3-7757-0213-X.

- Werner Spies (Hrsg.): Malen gegen die Zeit. Picassos Spätwerk. Hatje Cantz, Ostfildern 2006, ISBN 978-3-7757-1831-8.

- Ulrich Weisner: Picasso. Kerber, Bielefeld 1997, ISBN 3-924639-78-7.

- Ingo F. Walther: Picasso – das Genie des Jahrhunderts. Taschen, Köln, 12. Auflage 1999, ISBN 978-3-8228-6371-8.

- Carsten-Peter Warncke: Pablo Picasso 1881–1973. Taschen, Köln, Sonderauflage 2006, ISBN 978-3-8228-5025-1.

Fotodokumentationen

- David Douglas Duncan: Viva Picasso. Zu seinem 100. Geburtstag. Fritz Molden, Wien 1981, ISBN 3-217-01203-8.

- Kunstmuseum Pablo Picasso Münster (Hrsg.): Picasso bei der Arbeit. Durch die Linse von David Douglas Duncan. Wienand, Köln 2011, ISBN 978-3-86832-080-0. Einblicke in Ateliers, Wohnhäuser und Familienleben.

- Edward Quinn: Picasso – Mensch und Bild. Einleitung: Pierre Daix, Klett-Cotta, Stuttgart 1987, ISBN 3-608-76221-3.

- Edward Quinn: Picasso  –  Werke  +  Tage. Einleitung und Text: Roland Penrose, Manesse, Conzett&Huber, Zürich 1965, ohne ISBN.

- Helge Sobik: Picasso an der Riviera. Feymedia, Düsseldorf 2010, ISBN 978-3-941459-11-3.

- Helge Sobik: Picassos Häuser. Feymedia, Düsseldorf 2009, ISBN 978-3-941459-00-7.

- Kerstin Stremmel (Hrsg. für das Museum Ludwig, Köln): Ichundichundich – Picasso im Fotoporträt. HatjeCantz, Ostfildern 2011, ISBN 978-3-7757-3198-0 (deutsch), ISBN 978-3-7757-3199-7 (englisch), ISBN 978-3-7757-3248-2 (spanisch); Fotodokumentationskatalog zur gleichnamigen Ausstellung in Köln (24. September 2011 bis 15. Januar 2012), in Málaga (5. März – 10. Juni 2012) sowie im Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg (21. Juli bis 10. Oktober 2012).

Sonstiges

- Marie-Laure Bernadac, Christine Piot (Hrsg.): Picasso. Collected Writings. Abbeville Press, New York 1989, ISBN 1-55859-045-5 (französisch: Paris 1989).

- Elizabeth Cowling: Visiting Picasso  –  The Notebooks and Letters of Roland Penrose. Thames & Hudson, London 2006, ISBN 978-0-500-51293-7.

- David Douglas Duncan: Picasso & Lump. Benteli, Zürich 2006, ISBN 3-7165-1435-7.

- Boris Friedewald: Die Tiere von Picasso. Prestel, München 2014, ISBN 978-3-7913-4989-3.

- Michael Carlo Klepsch: Picasso und der Nationalsozialismus. Patmos, Düsseldorf 2007, ISBN 978-3-491-35011-3.

- Piet Meyer (Hrsg.): Pablo Picasso in Zürich 1932. Piet Meyer, Bern 2010, ISBN 978-3-905799-09-5.

- Mariano Miguel Montanés: Pablo Picasso  –  The Last Years. Assouline Publishing, New York 2004, ISBN 2-84323-613-4.

Weblinks

Commons: Pablo Picasso – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

Wikiquote: Pablo Picasso – Zitate

- Literatur von und über Pablo Picasso im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek

- Werke von und über Pablo Picasso in der Deutschen Digitalen Bibliothek

- Literatur von und über Pablo Picasso im Katalog der Bibliothek des Instituto Cervantes in Deutschland

- Pablo Picasso. Tabellarischer Lebenslauf im LeMO (DHM und HdG)

- Pablo Picasso auf kunstaspekte.de

- Offizielle Webseite: Succession Picasso, Paris

- pablo-ruiz-picasso.net: Biografie und Werke nach Jahren gelistet

- Übersicht mit Fotos und Gemälden über Picassos Frauen (engl.)

- Film Matisse & Picasso, 2000

- Materialien von und über Pablo Picasso im documenta-Archiv

- Im Labyrinth des Minotaurus. Verena Ott über Schreiben als Übersetzen im schriftstellerischen Werk Picassos, ReLÜ, Rezensionszeitschrift, 13, 2012

- Werke von Pablo Picasso in der Europeana

Abbildungen

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1. ↑ Pablo Picasso: Ambroise Vollard (1910), pablopicasso.org

2. ↑ Les Trois Danseuses, Juni 1925, 215 × 142 cm, Öl auf Leinwand, Tate Gallery, London

3. ↑ Minotaure (1933–1939), thenonist.com, abgerufen am 6. Juli 2011

4. ↑ Der Picador, 1889, Öl auf Leinwand, Sammlung Claude Picasso, Paris

5. ↑ Etude pour un torse, 1894, 52,4 × 36,7 cm, Kohle und Conté-crayon-Stift, Museo Picasso, Barcelona

6. ↑ Porträt Philippe IV., 1897, Öl auf Leinwand, Museo Picasso, Barcelona

7. ↑ Matador Luis Miguel Dominguin, 1897, Zeichnung, Museo Picasso, Barcelona

8. ↑ Die Erstkommunion, 1896, 166 × 118 cm, Öl auf Leinwand, Museo Picasso, Barcelona

9. ↑ Wissenschaft und Nächstenliebe, 1897, 197 × 249,5 cm, Öl auf Leinwand, Museo Picasso, Barcelona

10. ↑ Le Moulin de la Galette (Memento vom 12. Juli 2014 im Internet Archive), 1900, 88,2 × 115 cm, Öl auf Leinwand, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

11. ↑ Evokation – Das Begräbnis Casagemas (Memento vom 12. Juli 2014 im Internet Archive), 1901, 150 × 90 cm, Öl auf Leinwand, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

12. ↑ Das blaue Zimmer (Memento vom 12. Juli 2014 im Internet Archive), 50,8 × 62 cm, Herbst 1901, Öl auf Leinwand, Philipps Collection, Washington

13. ↑ Selbstbildnis (Memento vom 12. Juli 2014 im Internet Archive), 80 × 60 cm, Ende 1901, Öl auf Leinwand, Musée Picasso, Paris

14. ↑ The Lapin Agile. 1905, 99,1 × 100,3 cm, Öl auf Leinwand, The Metropolitan Museum of Art, New York

15. ↑ Nature morte à la chaise cannée, 1912, 29 × 37 cm, Collage, Musée Picasso, Paris

16. ↑ Olga in einem Sessel, Ende 1917, 130 × 88,8 cm, Öl auf Leinwand, Musée Picasso, Paris

17. ↑ Stillleben vor einem Fenster in Saint-Raphaël, Sommer 1919, 35,5 × 24,8 cm, Öl auf Leinwand, Sammlung Heinz Berggruen, Genf

18. ↑ Die Panflöte, 1923, 205 × 174,5 cm, Öl auf Leinwand, Musée Picasso, Paris

19. ↑ Die Kreuzigung, Februar 1930, 51,5 × 66,5 cm, Öl auf Leinwand, Musée Picasso, Paris

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Pablo Picasso

From Wikipedia, the free encyclopedia

"Picasso" redirects here. For other uses, see Picasso (disambiguation).

In this Spanish name, the first or paternal surname is Ruiz and the second or maternal family name is Picasso.

Pablo Picasso

Portrait de Picasso, 1908.jpg

Picasso in 1908

Born

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso[1]

25 October 1881

Málaga, Spain

Died

8 April 1973 (aged 91)

Mougins, France

Resting place

Château of Vauvenargues

43.554142°N 5.604438°E

Nationality

Spanish

Education

- José Ruiz y Blasco (father)

- Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Known for

Painting, drawing, sculpture, printmaking, ceramics, stage design, writing

Notable work

- La Vie (1903)

- Family of Saltimbanques (1905)

- Les Demoiselles d'Avignon (1907)

- Portrait of Daniel-Henry Kahnweiler (1910)

- Girl before a Mirror (1932)

- Le Rêve (1932)

- Guernica (1937)

- The Weeping Woman (1937)

- Massacre in Korea (1951)

Movement

Cubism, Surrealism

Spouse(s)

Olga Khokhlova

( 1918; died 1955)

Jacqueline Roque

( 1961)

Partner(s)

- Marie-Thérèse Walter (1927–1935)

- Dora Maar (1935–1943)

- Françoise Gilot (1943–1953)

Children

- Paulo Picasso (1921-1975)

- Maya Widmaier-Picasso (b.1935)

- Claude Picasso (b.1947)

- Paloma Picasso (b.1949)

Family

- Marina Picasso (b.1950, granddaughter)

- Bernard Ruiz-Picasso (b.1959, grandson)

Patron(s)

Sergei Shchukin

Pablo Ruiz Picasso[a][b] (25 October 1881 – 8 April 1973) was a Spanish painter, sculptor, printmaker, ceramicist and theatre designer who spent most of his adult life in France. Regarded as one of the most influential artists of the 20th century, he is known for co-founding the Cubist movement, the invention of constructed sculpture,[8][9] the co-invention of collage, and for the wide variety of styles that he helped develop and explore. Among his most famous works are the proto-Cubist Les Demoiselles d'Avignon (1907), and Guernica (1937), a dramatic portrayal of the bombing of Guernica by German and Italian air forces during the Spanish Civil War.

Picasso demonstrated extraordinary artistic talent in his early years, painting in a naturalistic manner through his childhood and adolescence. During the first decade of the 20th century, his style changed as he experimented with different theories, techniques, and ideas. After 1906, the Fauvist work of the slightly older artist Henri Matisse motivated Picasso to explore more radical styles, beginning a fruitful rivalry between the two artists, who subsequently were often paired by critics as the leaders of modern art.[10][11][12][13]

Picasso's work is often categorized into periods. While the names of many of his later periods are debated, the most commonly accepted periods in his work are the Blue Period (1901–1904), the Rose Period (1904–1906), the African-influenced Period (1907–1909), Analytic Cubism (1909–1912), and Synthetic Cubism (1912–1919), also referred to as the Crystal period. Much of Picasso's work of the late 1910s and early 1920s is in a neoclassical style, and his work in the mid-1920s often has characteristics of Surrealism. His later work often combines elements of his earlier styles.

Exceptionally prolific throughout the course of his long life, Picasso achieved universal renown and immense fortune for his revolutionary artistic accomplishments, and became one of the best-known figures in 20th-century art.

Contents

- 1Early life

- 2Career

- 2.1Before 1900

- 2.2Blue Period: 1901–1904

- 2.3Rose Period: 1904–1906

- 2.4African art and primitivism: 1907–1909

- 2.5Analytic cubism: 1909–1912

- 2.6Synthetic cubism: 1912–1919

- 2.7Neoclassicism and surrealism: 1919–1929

- 2.8The Great Depression to MoMA exhibition: 1930–1939

- 2.9World War II and late 1940s: 1939–1949

- 2.10Later works to final years: 1949–1973

- 3Political views

- 4Style and technique

- 5Artistic legacy

- 5.1The Basel vote

- 5.2Auction history

- 6Personal life

- 7Catalogue raisonné

- 8See also

- 9Notes and references

- 9.1Notes

- 9.2References

- 9.3Sources

- 10Further reading

- 11External links

Early life[edit]

Picasso with his sister Lola, 1889

Picasso was born at 23:15 on 25 October 1881, in the city of Málaga, Andalusia, in southern Spain.[2] He was the first child of Don José Ruiz y Blasco (1838–1913) and María Picasso y López.[14] Picasso's family was of middle-class background. His father was a painter who specialized in naturalistic depictions of birds and other game. For most of his life, Ruiz was a professor of art at the School of Crafts and a curator of a local museum.[1] Ruiz's ancestors were minor aristocrats.

Picasso's birth certificate and the record of his baptism include very long names, combining those of various saints and relatives.[a][c] Ruiz y Picasso were his paternal and maternal surnames, respectively, per Spanish custom. The surname "Picasso" comes from Liguria, a coastal region of north-western Italy; its capital is Genoa.[16] There was a painter from the area named Matteo Picasso [it] (1794–1879), born in Recco (Genoa), of late neoclassical style portraiture,[16] though investigations have not definitively determined his kinship with the branch of ancestors related to Pablo Picasso. The direct branch from Sori, Liguria (Genoa), can be traced back to Tommaso Picasso (1728–1813). His son Giovanni Battista, married to Isabella Musante, was Pablo's great-great-grandfather. Of this marriage was born Tommaso (Sori, 1787–Málaga, 1851). Pablo's maternal great-grandfather, Tommaso Picasso moved to Spain around 1807.[16]

Picasso showed a passion and a skill for drawing from an early age. According to his mother, his first words were "piz, piz", a shortening of lápiz, the Spanish word for "pencil".[17] From the age of seven, Picasso received formal artistic training from his father in figure drawing and oil painting. Ruiz was a traditional academic artist and instructor, who believed that proper training required disciplined copying of the masters, and drawing the human body from plaster casts and live models. His son became preoccupied with art to the detriment of his classwork.

The family moved to A Coruña in 1891, where his father became a professor at the School of Fine Arts. They stayed almost four years. On one occasion, the father found his son painting over his unfinished sketch of a pigeon. Observing the precision of his son's technique, an apocryphal story relates, Ruiz felt that the thirteen-year-old Picasso had surpassed him, and vowed to give up painting,[18] though paintings by him exist from later years.

In 1895, Picasso was traumatized when his seven-year-old sister, Conchita, died of diphtheria.[19] After her death, the family moved to Barcelona, where Ruiz took a position at its School of Fine Arts. Picasso thrived in the city, regarding it in times of sadness or nostalgia as his true home.[20] Ruiz persuaded the officials at the academy to allow his son to take an entrance exam for the advanced class. This process often took students a month, but Picasso completed it in a week, and the jury admitted him, at just 13. As a student, Picasso lacked discipline but made friendships that would affect him in later life. His father rented a small room for him close to home so he could work alone, yet he checked up on him numerous times a day, judging his drawings. The two argued frequently.[21]

Picasso's father and uncle decided to send the young artist to Madrid's Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, the country's foremost art school.[20] At age 16, Picasso set off for the first time on his own, but he disliked formal instruction and stopped attending classes soon after enrollment. Madrid held many other attractions. The Prado housed paintings by Diego Velázquez, Francisco Goya, and Francisco Zurbarán. Picasso especially admired the works of El Greco; elements such as his elongated limbs, arresting colours, and mystical visages are echoed in Picasso's later work.[22]

Career[edit]

Before 1900[edit]

Picasso in 1904. Photograph by Ricard Canals.

Picasso's training under his father began before 1890. His progress can be traced in the collection of early works now held by the Museu Picasso in Barcelona, which provides one of the most comprehensive records extant of any major artist's beginnings.[23] During 1893 the juvenile quality of his earliest work falls away, and by 1894 his career as a painter can be said to have begun.[24] The academic realism apparent in the works of the mid-1890s is well displayed in The First Communion (1896), a large composition that depicts his sister, Lola. In the same year, at the age of 14, he painted Portrait of Aunt Pepa, a vigorous and dramatic portrait that Juan-Eduardo Cirlot has called "without a doubt one of the greatest in the whole history of Spanish painting."[25]

In 1897, his realism began to show a Symbolist influence, for example, in a series of landscape paintings rendered in non-naturalistic violet and green tones. What some call his Modernist period (1899–1900) followed. His exposure to the work of Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec and Edvard Munch, combined with his admiration for favourite old masters such as El Greco, led Picasso to a personal version of modernism in his works of this period.[26]

Picasso made his first trip to Paris, then the art capital of Europe, in 1900. There, he met his first Parisian friend, journalist and poet Max Jacob, who helped Picasso learn the language and its literature. Soon they shared an apartment; Max slept at night while Picasso slept during the day and worked at night. These were times of severe poverty, cold, and desperation. Much of his work was burned to keep the small room warm. During the first five months of 1901, Picasso lived in Madrid, where he and his anarchist friend Francisco de Asís Soler founded the magazine Arte Joven (Young Art), which published five issues. Soler solicited articles and Picasso illustrated the journal, mostly contributing grim cartoons depicting and sympathizing with the state of the poor. The first issue was published on 31 March 1901, by which time the artist had started to sign his work Picasso.[27] From 1898 he signed his works as "Pablo Ruiz Picasso", then as "Pablo R. Picasso" until 1901. The change does not seem to imply a rejection of the father figure. Rather, he wanted to distinguish himself from others; initiated by his Catalan friends who habitually called him by his maternal surname, much less current than the paternal Ruiz.[28]

Blue Period: 1901–1904[edit]

Further information: Picasso's Blue Period

La Vie (1903), Cleveland Museum of Art

The Old Guitarist (1903), Art Institute of Chicago

Picasso's Blue Period (1901–1904), characterized by sombre paintings rendered in shades of blue and blue-green only occasionally warmed by other colours, began either in Spain in early 1901 or in Paris in the second half of the year.[29] Many paintings of gaunt mothers with children date from the Blue Period, during which Picasso divided his time between Barcelona and Paris. In his austere use of colour and sometimes doleful subject matter—prostitutes and beggars are frequent subjects—Picasso was influenced by a trip through Spain and by the suicide of his friend Carles Casagemas. Starting in autumn of 1901, he painted several posthumous portraits of Casagemas culminating in the gloomy allegorical painting La Vie (1903), now in the Cleveland Museum of Art.[30]

The same mood pervades the well-known etching The Frugal Repast (1904),[31] which depicts a blind man and a sighted woman, both emaciated, seated at a nearly bare table. Blindness, a recurrent theme in Picasso's works of this period, is also represented in The Blindman's Meal (1903, the Metropolitan Museum of Art) and in the portrait of Celestina (1903). Other Blue Period works include Portrait of Soler and Portrait of Suzanne Bloch.

Rose Period: 1904–1906[edit]

Further information: Picasso's Rose Period

Pablo Picasso, 1905, Au Lapin Agile (At the Lapin Agile) (Arlequin tenant un verre), oil on canvas, 99.1 × 100.3 cm, Metropolitan Museum of Art

The Rose Period (1904–1906)[32] is characterised by a lighter tone and style utilising orange and pink colours and featuring many circus people, acrobats and harlequins known in France as saltimbanques. The harlequin, a comedic character usually depicted in checkered patterned clothing, became a personal symbol for Picasso. Picasso met Fernande Olivier, a bohemian artist who became his mistress, in Paris in 1904.[19] Olivier appears in many of his Rose Period paintings, many of which are influenced by his warm relationship with her, in addition to his increased exposure to French painting. The generally upbeat and optimistic mood of paintings in this period is reminiscent of the 1899–1901 period (i.e., just prior to the Blue Period), and 1904 can be considered a transition year between the two periods.

Portrait of Gertrude Stein, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City. When someone commented that Stein did not look like her portrait, Picasso replied, "She will".[33]

By 1905, Picasso became a favourite of American art collectors Leo and Gertrude Stein. Their older brother Michael Stein and his wife Sarah also became collectors of his work. Picasso painted a portrait of Gertrude Stein and one of her nephew Allan Stein. Gertrude Stein became Picasso's principal patron, acquiring his drawings and paintings and exhibiting them in her informal Salon at her home in Paris.[34] At one of her gatherings in 1905, he met Henri Matisse, who was to become a lifelong friend and rival. The Steins introduced him to Claribel Cone and her sister Etta, who were American art collectors; they also began to acquire Picasso's and Matisse's paintings. Eventually Leo Stein moved to Italy. Michael and Sarah Stein became patrons of Matisse, while Gertrude Stein continued to collect Picassos.[35]

In 1907, Picasso joined an art gallery that had recently been opened in Paris by Daniel-Henry Kahnweiler, a German art historian and art collector who became one of the premier French art dealers of the 20th century. He was among the first champions of Pablo Picasso, Georges Braque and the Cubism that they jointly developed. Kahnweiler promoted burgeoning artists such as André Derain, Kees van Dongen, Fernand Léger, Juan Gris, Maurice de Vlaminck and several others who had come from all over the globe to live and work in Montparnasse at the time.[36]

African art and primitivism: 1907–1909[edit]

Les Demoiselles d'Avignon (1907), Museum of Modern Art, New York

See also: Picasso's African Period and Proto-Cubism

Picasso's African-influenced Period (1907–1909) begins with his painting Les Demoiselles d'Avignon. Picasso painted this composition in a style inspired by Iberian sculpture, but repainted the faces of the two figures on the right after being powerfully impressed by African artefacts he saw in June 1907 in the ethnographic museum at Palais du Trocadéro.[37] When he displayed the painting to acquaintances in his studio later that year, the nearly universal reaction was shock and revulsion; Matisse angrily dismissed the work as a hoax.[38] Picasso did not exhibit Les Demoiselles publicly until 1916.

Other works from this period include Nude with Raised Arms (1907) and Three Women (1908). Formal ideas developed during this period lead directly into the Cubist period that follows.

Analytic cubism: 1909–1912[edit]

Analytic cubism (1909–1912) is a style of painting Picasso developed with Georges Braque using monochrome brownish and neutral colours. Both artists took apart objects and "analyzed" them in terms of their shapes. Picasso and Braque's paintings at this time share many similarities.

In Paris, Picasso entertained a distinguished coterie of friends in the Montmartre and Montparnasse quarters, including André Breton, poet Guillaume Apollinaire, writer Alfred Jarry and Gertrude Stein. In 1911, Picasso was arrested and questioned about the theft of the Mona Lisa from the Louvre. Suspicion for the crime had initially fallen upon Apollinaire due to his links to Géry Pieret, an artist with a history of thefts from the gallery. Apollinaire in turn implicated his close friend Picasso, who had also purchased stolen artworks from the artist in the past. Afraid of a conviction that could result in his deportation to Spain, Picasso denied having ever met Apollinaire. Both were later cleared of any involvement in the painting's disappearance.[39][40]

Synthetic cubism: 1912–1919[edit]

Main article: Crystal Cubism

Picasso in front of his painting The Aficionado (Kunstmuseum Basel) at Villa les Clochettes, summer 1912

Synthetic cubism (1912–1919) was a further development of the genre of cubism, in which cut paper fragments – often wallpaper or portions of newspaper pages – were pasted into compositions, marking the first use of collage in fine art.

Between 1915 and 1917, Picasso began a series of paintings depicting highly geometric and minimalist Cubist objects, consisting of either a pipe, a guitar or a glass, with an occasional element of collage. "Hard-edged square-cut diamonds", notes art historian John Richardson, "these gems do not always have upside or downside".[41][42] "We need a new name to designate them," wrote Picasso to Gertrude Stein. The term "Crystal Cubism" was later used as a result of visual analogies with crystals at the time.[43][41][44] These "little gems" may have been produced by Picasso in response to critics who had claimed his defection from the movement, through his experimentation with classicism within the so-called return to order following the war.[41][43]

After acquiring some fame and fortune, Picasso left Olivier for Marcelle Humbert, whom he called Eva Gouel. Picasso included declarations of his love for Eva in many Cubist works. Picasso was devastated by her premature death from illness at the age of 30 in 1915.[45]

At the outbreak of World War I in August 1914, Picasso was living in Avignon. Braque and Derain were mobilized and Apollinaire joined the French artillery, while the Spaniard Juan Gris remained from the Cubist circle. During the war, Picasso was able to continue painting uninterrupted, unlike his French comrades. His paintings became more sombre and his life changed with dramatic consequences. Kahnweiler's contract had terminated on his exile from France. At this point Picasso's work would be taken on by the art dealer Léonce Rosenberg. After the loss of Eva Gouel, Picasso had an affair with Gaby Lespinasse. During the spring of 1916, Apollinaire returned from the front wounded. They renewed their friendship, but Picasso began to frequent new social circles.[46]

Costume design by Pablo Picasso representing skyscrapers and boulevards, for Serge Diaghilev's Ballets Russes performance of Parade at Théâtre du Châtelet, Paris 18 May 1917

Further information: Picasso and the Ballets Russes

Towards the end of World War I, Picasso became involved with Serge Diaghilev's Ballets Russes. Among his friends during this period were Jean Cocteau, Jean Hugo, Juan Gris, and others. In the summer of 1918, Picasso married Olga Khokhlova, a ballerina with Sergei Diaghilev's troupe, for whom Picasso was designing a ballet, Erik Satie's Parade, in Rome; they spent their honeymoon near Biarritz in the villa of glamorous Chilean art patron Eugenia Errázuriz.

After returning from his honeymoon and in need of money, Picasso started his exclusive relationship with the French-Jewish art dealer Paul Rosenberg. As part of his first duties, Rosenberg agreed to rent the couple an apartment in Paris at his own expense, which was located next to his own house. This was the start of a deep brother-like friendship between two very different men, that would last until the outbreak of World War II.

Khokhlova introduced Picasso to high society, formal dinner parties, and other dimensions of the life of the rich in 1920s Paris. The two had a son, Paulo Picasso,[47] who would grow up to be a motorcycle racer and chauffeur to his father. Khokhlova's insistence on social propriety clashed with Picasso's bohemian tendencies and the two lived in a state of constant conflict. During the same period that Picasso collaborated with Diaghilev's troupe, he and Igor Stravinsky collaborated on Pulcinella in 1920. Picasso took the opportunity to make several drawings of the composer.[48]

In 1927, Picasso met 17-year-old Marie-Thérèse Walter and began a secret affair with her. Picasso's marriage to Khokhlova soon ended in separation rather than divorce, as French law required an even division of property in the case of divorce, and Picasso did not want Khokhlova to have half his wealth. The two remained legally married until Khokhlova's death in 1955. Picasso carried on a long-standing affair with Marie-Thérèse Walter and fathered a daughter with her, named Maya. Marie-Thérèse lived in the vain hope that Picasso would one day marry her, and hanged herself four years after Picasso's death.

- 1909, Femme assise (Sitzende Frau), oil on canvas, 100 × 80 cm, Staatliche Museen, Neue Nationalgalerie, Berlin

- 1909–10, Figure dans un Fauteuil (Seated Nude, Femme nue assise), oil on canvas, 92.1 × 73 cm, Tate Modern, London. This painting from the collection of Wilhelm Uhde was confiscated by the French state and sold at the Hôtel Drouot in 1921

- 1910, Woman with Mustard Pot (La Femme au pot de moutarde), oil on canvas, 73 × 60 cm, Gemeentemuseum, The Hague. Exhibited at the Armory Show, New York, Chicago, Boston 1913

- 1910, Girl with a Mandolin (Fanny Tellier), oil on canvas, 100.3 × 73.6 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1910, Portrait of Daniel-Henry Kahnweiler, The Art Institute of Chicago. Picasso wrote of Kahnweiler "What would have become of us if Kahnweiler hadn't had a business sense?"

- 1910–11, Guitariste, La mandoliniste (Woman playing guitar or mandolin), oil on canvas

- c.1911, Le Guitariste. Reproduced in Albert Gleizes and Jean Metzinger, Du "Cubisme", 1912

- 1911, Still Life with a Bottle of Rum, oil on canvas, 61.3 × 50.5 cm, Metropolitan Museum of Art, New York

- 1911, The Poet (Le poète), oil on linen, 131.2 × 89.5 cm (51 5/8 × 35 1/4 in), The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venice

- 1911–12, Violon (Violin), oil on canvas, 100 × 73 cm (oval), Kröller-Müller Museum, Otterlo, Netherlands. This painting from the collection of Wilhelm Uhde was confiscated by the French state and sold at the Hôtel Drouot in 1921

- 1913, Bouteille, clarinet, violon, journal, verre, 55 × 45 cm. This painting from the collection of Wilhelm Uhde was confiscated by the French state and sold at the Hôtel Drouot in 1921

- 1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva), Woman in a Chemise in an Armchair, oil on canvas, 149.9 × 99.4 cm, Leonard A. Lauder Cubist Collection, Metropolitan Museum of Art

- 1913–14, Head (Tête), cut and pasted coloured paper, gouache and charcoal on paperboard, 43.5 × 33 cm, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh

- 1913–14, L'Homme aux cartes (Card Player), oil on canvas, 108 × 89.5 cm, Museum of Modern Art, New York

- 1914–15, Nature morte au compotier (Still Life with Compote and Glass), oil on canvas, 63.5 × 78.7 cm (25 × 31 in), Columbus Museum of Art, Ohio

- 1916, L'anis del mono (Bottle of Anis del Mono), oil on canvas, 46 × 54.6 cm, Detroit Institute of Arts, Michigan

- Parade, 1917, curtain designed for the ballet Parade. The work is the largest of Picasso's paintings. Centre Pompidou-Metz, Metz, France, May 2012

Neoclassicism and surrealism: 1919–1929[edit]

Pablo Picasso, 1921, Nu assis s'essuyant le pied (Seated Nude Drying her Foot), pastel, 66 x 50.8 cm, Berggruen Museum

In February 1917, Picasso made his first trip to Italy.[49] In the period following the upheaval of World War I, Picasso produced work in a neoclassical style. This "return to order" is evident in the work of many European artists in the 1920s, including André Derain, Giorgio de Chirico, Gino Severini, Jean Metzinger, the artists of the New Objectivity movement and of the Novecento Italiano movement. Picasso's paintings and drawings from this period frequently recall the work of Raphael and Ingres.

In 1925 the Surrealist writer and poet André Breton declared Picasso as 'one of ours' in his article Le Surréalisme et la peinture, published in Révolution surréaliste. Les Demoiselles was reproduced for the first time in Europe in the same issue. Yet Picasso exhibited Cubist works at the first Surrealist group exhibition in 1925; the concept of 'psychic automatism in its pure state' defined in the Manifeste du surréalisme never appealed to him entirely. He did at the time develop new imagery and formal syntax for expressing himself emotionally, "releasing the violence, the psychic fears and the eroticism that had been largely contained or sublimated since 1909", writes art historian Melissa McQuillan.[50] Although this transition in Picasso's work was informed by Cubism for its spatial relations, "the fusion of ritual and abandon in the imagery recalls the primitivism of the Demoiselles and the elusive psychological resonances of his Symbolist work", writes McQuillan.[50] Surrealism revived Picasso's attraction to primitivism and eroticism.[50]

- Pablo Picasso, 1918, Pierrot, oil on canvas, 92.7 × 73 cm, Museum of Modern Art, New York

- Pablo Picasso, 1918, Portrait d'Olga dans un fauteuil (Olga in an Armchair), Musée Picasso, Paris, France

- Pablo Picasso, 1919, Sleeping Peasants, gouache, watercolor and pencil on paper, 31.1 × 48.9 cm, Museum of Modern Art

The Great Depression to MoMA exhibition: 1930–1939[edit]

During the 1930s, the minotaur replaced the harlequin as a common motif in his work. His use of the minotaur came partly from his contact with the surrealists, who often used it as their symbol, and it appears in Picasso's Guernica. The minotaur and Picasso's mistress Marie-Thérèse Walter are heavily featured in his celebrated Vollard Suite of etchings.[51]

Guernica, 1937, Museo Reina Sofia

Arguably Picasso's most famous work is his depiction of the German bombing of Guernica during the Spanish Civil War – Guernica. This large canvas embodies for many the inhumanity, brutality and hopelessness of war. Asked to explain its symbolism, Picasso said, "It isn't up to the painter to define the symbols. Otherwise it would be better if he wrote them out in so many words! The public who look at the picture must interpret the symbols as they understand them."[52][53] Guernica was exhibited in July 1937 at the Spanish Pavilion at the Paris International Exposition, and then became the centerpiece of an exhibition of 118 works by Picasso, Matisse, Braque and Henri Laurens that toured Scandinavia and England. After the victory of Francisco Franco in Spain, the painting was sent to the United States to raise funds and support for Spanish refugees. Until 1981 it was entrusted to the Museum of Modern Art (MoMA) in New York City, as it was Picasso's expressed desire that the painting should not be delivered to Spain until liberty and democracy had been established in the country.

In 1939 and 1940, the Museum of Modern Art in New York City, under its director Alfred Barr, a Picasso enthusiast, held a major retrospective of Picasso's principal works until that time. This exhibition lionized Picasso, brought into full public view in America the scope of his artistry, and resulted in a reinterpretation of his work by contemporary art historians and scholars.[54] According to Jonathan Weinberg, "Given the extraordinary quality of the show and Picasso's enormous prestige, generally heightened by the political impact of Guernica ... the critics were surprisingly ambivalent".[55] Picasso's "multiplicity of styles" was disturbing to one journalist; another described him as "wayward and even malicious"; Alfred Frankenstein's review in ARTnews concluded that Picasso was both charlatan and genius.[55]

World War II and late 1940s: 1939–1949[edit]

Stanisław Lorentz guides Picasso through the National Museum in Warsaw in Poland during exhibition Contemporary French Painters and Pablo Picasso's Ceramics, 1948. Picasso gave Warsaw's museum over a dozen of his ceramics, drawings and colour prints.[56]

Scene from the Degenerate art auction, spring 1938, published in a Swiss newspaper. Works by Picasso, Head of a Woman (lot 117), Two Harlequins (lot 115).[57]

During the Second World War, Picasso remained in Paris while the Germans occupied the city. Picasso's artistic style did not fit the Nazi ideal of art, so he did not exhibit during this time. He was often harassed by the Gestapo. During one search of his apartment, an officer saw a photograph of the painting Guernica. "Did you do that?" the German asked Picasso. "No," he replied, "You did".[58]

Retreating to his studio, he continued to paint, producing works such as the Still Life with Guitar (1942) and The Charnel House (1944–48).[59] Although the Germans outlawed bronze casting in Paris, Picasso continued regardless, using bronze smuggled to him by the French Resistance.[60]

Around this time, Picasso wrote poetry as an alternative outlet. Between 1935 and 1959 he wrote over 300 poems. Largely untitled except for a date and sometimes the location of where it was written (for example "Paris 16 May 1936"), these works were gustatory, erotic and at times scatological, as were his two full-length plays Desire Caught by the Tail (1941) and The Four Little Girls (1949).[61][62]

In 1944, after the liberation of Paris, Picasso, then 63 years old, began a romantic relationship with a young art student named Françoise Gilot. She was 40 years younger than he was. Picasso grew tired of his mistress Dora Maar; Picasso and Gilot began to live together. Eventually they had two children: Claude Picasso, born in 1947 and Paloma Picasso, born in 1949. In her 1964 book Life with Picasso,[63] Gilot describes his abusive treatment and myriad infidelities which led her to leave him, taking the children with her. This was a severe blow to Picasso.

Picasso photographed in 1953 by Paolo Monti during an exhibition at Palazzo Reale in Milan (Fondo Paolo Monti, BEIC).

Picasso had affairs with women of an even greater age disparity than his and Gilot's. While still involved with Gilot, in 1951 Picasso had a six-week affair with Geneviève Laporte, who was four years younger than Gilot. By his 70s, many paintings, ink drawings and prints have as their theme an old, grotesque dwarf as the doting lover of a beautiful young model. Jacqueline Roque (1927–1986) worked at the Madoura Pottery in Vallauris on the French Riviera, where Picasso made and painted ceramics. She became his lover, and then his second wife in 1961. The two were together for the remainder of Picasso's life.

His marriage to Roque was also a means of revenge against Gilot; with Picasso's encouragement, Gilot had divorced her then husband, Luc Simon, with the plan to marry Picasso to secure the rights of her children as Picasso's legitimate heirs. Picasso had already secretly married Roque, after Gilot had filed for divorce. His strained relationship with Claude and Paloma was never healed.[64]

By this time, Picasso had constructed a huge Gothic home, and could afford large villas in the south of France, such as Mas Notre-Dame-de-Vie on the outskirts of Mougins, and in the Provence-Alpes-Côte d'Azur. He was an international celebrity, with often as much interest in his personal life as his art.[65]

Later works to final years: 1949–1973[edit]

The Chicago Picasso, a 50-foot high public Cubist sculpture. Donated by Picasso to the people of Chicago

Picasso was one of 250 sculptors who exhibited in the 3rd Sculpture International held at the Philadelphia Museum of Art in mid-1949. In the 1950s, Picasso's style changed once again, as he took to producing reinterpretations of the art of the great masters. He made a series of works based on Velázquez's painting of Las Meninas. He also based paintings on works by Goya, Poussin, Manet, Courbet and Delacroix.

In addition to his artistic accomplishments, Picasso made a few film appearances, always as himself, including a cameo in Jean Cocteau's Testament of Orpheus (1960). In 1955, he helped make the film Le Mystère Picasso (The Mystery of Picasso) directed by Henri-Georges Clouzot.

An elderly Pablo Picasso in a cloth cap, grinning at the camera

Picasso in 1962

He was commissioned to make a maquette for a huge 50-foot (15 m)-high public sculpture to be built in Chicago, known usually as the Chicago Picasso. He approached the project with a great deal of enthusiasm, designing a sculpture which was ambiguous and somewhat controversial. What the figure represents is not known; it could be a bird, a horse, a woman or a totally abstract shape. The sculpture, one of the most recognizable landmarks in downtown Chicago, was unveiled in 1967. Picasso refused to be paid $100,000 for it, donating it to the people of the city.

Picasso's final works were a mixture of styles, his means of expression in constant flux until the end of his life. Devoting his full energies to his work, Picasso became more daring, his works more colourful and expressive, and from 1968 to 1971 he produced a torrent of paintings and hundreds of copperplate etchings. At the time these works were dismissed by most as pornographic fantasies of an impotent old man or the slapdash works of an artist who was past his prime.[66][67] Only later, after Picasso's death, when the rest of the art world had moved on from abstract expressionism, did the critical community come to see the late works of Picasso as prefiguring Neo-Expressionism.[68]

Pablo Picasso died on 8 April 1973 in Mougins, France, from pulmonary edema and heart failure, while he and his wife Jacqueline entertained friends for dinner. He was interred at the Château of Vauvenargues near Aix-en-Provence, a property he had acquired in 1958 and occupied with Jacqueline between 1959 and 1962. Jacqueline prevented his children Claude and Paloma from attending the funeral.[69] Devastated and lonely after the death of Picasso, Jacqueline killed herself by gunshot in 1986 when she was 59 years old.[70]

Political views[edit]

Massacre in Korea, 1951

Picasso remained aloof from the Catalan independence movement during his youth despite expressing general support and being friendly with activists within it.[71] He did not join the armed forces for any side or country during World War I, the Spanish Civil War, and World War II. As a Spanish citizen living in France, Picasso was under no compulsion to fight against the invading Germans in either world war. However, in 1940, he did apply for French citizenship, but it was refused on the grounds of his "extremist ideas evolving towards communism". This information was not revealed until 2003.[72]

At the start of the Spanish Civil War in 1936, Picasso was 54 years of age. Soon after hostilities began, the Republicans appointed him "director of the Prado, albeit in absentia", and "he took his duties very seriously", according to John Richardson, supplying the funds to evacuate the museum's collection to Geneva.[73] The war provided the impetus for Picasso's first overtly political work. He expressed anger and condemnation of Francisco Franco and fascists in The Dream and Lie of Franco (1937), which was produced "specifically for propagandistic and fundraising purposes".[74] This surreal fusion of words and images was intended to be sold as a series of postcards to raise funds for the Spanish Republican cause.[74][75]

In 1944, Picasso joined the French Communist Party, attended the World Congress of Intellectuals in Defense of Peace in Poland, and in 1950 received the Stalin Peace Prize from the Soviet government.[76] Party criticism in 1953 of his portrait of Stalin as insufficiently realistic cooled Picasso's interest in Soviet politics, though he remained a loyal member of the Communist Party until his death.[73] His dealer, D-H. Kahnweiler, a socialist, termed Picasso's communism "sentimental" rather than political, saying "He has never read a line of Karl Marx, nor of Engels of course."[73] In a 1945 interview with Jerome Seckler, Picasso stated: "I am a Communist and my painting is Communist painting. ... But if I were a shoemaker, Royalist or Communist or anything else, I would not necessarily hammer my shoes in a special way to show my politics."[77] His commitment to communism, common among continental intellectuals and artists at the time, has long been the subject of some controversy; a notable demonstration thereof was a quote commonly attributed to Salvador Dalí (with whom Picasso had a rather strained relationship[78]):

Picasso es pintor, yo también; [...] Picasso es español, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco.

(Picasso is a painter, so am I; [...] Picasso is a Spaniard, so am I; Picasso is a communist, neither am I.)[79][80][81]

In the late 1940s, his old friend the surrealist poet and Trotskyist[82] and anti-Stalinist André Breton was more blunt; refusing to shake hands with Picasso, he told him: "I don't approve of your joining the Communist Party nor with the stand you have taken concerning the purges of the intellectuals after the Liberation".[83] Picasso was against the intervention of the United Nations and the United States in the Korean War and he depicted it in Massacre in Korea.[84][85] The art critic Kirsten Hoving Keen says that it is "inspired by reports of American atrocities" and considers it one of Picasso's communist works.[86]

On 9 January 1949, Picasso created Dove, a black and white lithograph. It was used to illustrate a poster at the 1949 World Peace Council and became an iconographic image of the period, known as "The dove of peace". Picasso's image was used around the world as a symbol of the Peace Congresses and Communism.[87]

In 1962, he received the Lenin Peace Prize.[88] Biographer and art critic John Berger felt his talents as an artist were "wasted" by the communists.[89] According to Jean Cocteau's diaries, Picasso once said to him in reference to the communists: "I have joined a family, and like all families, it's full of shit".[90]

Style and technique[edit]

Pablo Picasso, 1901, Old Woman (Woman with Gloves), oil on cardboard, 67 × 52.1 cm, Philadelphia Museum of Art

Pablo Picasso, 1901–02, Femme au café (Absinthe Drinker), oil on canvas, 73 × 54 cm, Hermitage Museum

Picasso was exceptionally prolific throughout his long lifetime. At his death there were more than 45,000 unsold works in his estate, comprising 1,885 paintings, 1,228 sculptures, 3,222 ceramics, 7,089 drawings, 150 sketchbooks, many thousands of prints, and numerous tapestries and rugs.[91] The most complete – but not exhaustive – catalogue of his works, the catalogue raisonné compiled by Christian Zervos, lists more than 16,000 paintings and drawings.[92] Picasso's output was several times more prolific than most artists of his era; by at least one account, American artist Bob Ross is the only one to rival Picasso's volume, and Ross's artwork was designed specifically to be easily mass-produced quickly.[93]

The medium in which Picasso made his most important contribution was painting.[94] In his paintings, Picasso used colour as an expressive element, but relied on drawing rather than subtleties of colour to create form and space.[94] He sometimes added sand to his paint to vary its texture. A nanoprobe of Picasso's The Red Armchair (1931), in the collection of the Art Institute of Chicago, by physicists at Argonne National Laboratory in 2012 confirmed art historians' belief that Picasso used common house paint in many of his paintings.[95][96] Much of his painting was done at night by artificial light.

Picasso's early sculptures were carved from wood or modelled in wax or clay, but from 1909 to 1928 Picasso abandoned modelling and instead made sculptural constructions using diverse materials.[94] An example is Guitar (1912), a relief construction made of sheet metal and wire that Jane Fluegel terms a "three-dimensional planar counterpart of Cubist painting" that marks a "revolutionary departure from the traditional approaches, modeling and carving".[97]

Pablo Picasso, 1921, Nous autres musiciens (Three Musicians), oil on canvas, 204.5 x 188.3 cm, Philadelphia Museum of Art

From the beginning of his career, Picasso displayed an interest in subject matter of every kind,[98] and demonstrated a great stylistic versatility that enabled him to work in several styles at once. For example, his paintings of 1917 included the pointillist Woman with a Mantilla, the Cubist Figure in an Armchair, and the naturalistic Harlequin (all in the Museu Picasso, Barcelona). In 1919, he made a number of drawings from postcards and photographs that reflect his interest in the stylistic conventions and static character of posed photographs.[99] In 1921 he simultaneously painted several large neoclassical paintings and two versions of the Cubist composition Three Musicians (Museum of Modern Art, New York; Philadelphia Museum of Art).[49] In an interview published in 1923, Picasso said, "The several manners I have used in my art must not be considered as an evolution, or as steps towards an unknown ideal of painting ... If the subjects I have wanted to express have suggested different ways of expression I have never hesitated to adopt them."[49]

Although his Cubist works approach abstraction, Picasso never relinquished the objects of the real world as subject matter. Prominent in his Cubist paintings are forms easily recognized as guitars, violins, and bottles.[100] When Picasso depicted complex narrative scenes it was usually in prints, drawings, and small-scale works; Guernica (1937) is one of his few large narrative paintings.[99]

Picasso painted mostly from imagination or memory. According to William Rubin, Picasso "could only make great art from subjects that truly involved him ... Unlike Matisse, Picasso had eschewed models virtually all his mature life, preferring to paint individuals whose lives had both impinged on, and had real significance for, his own."[101] The art critic Arthur Danto said Picasso's work constitutes a "vast pictorial autobiography" that provides some basis for the popular conception that "Picasso invented a new style each time he fell in love with a new woman".[101] The autobiographical nature of Picasso's art is reinforced by his habit of dating his works, often to the day. He explained: "I want to leave to posterity a documentation that will be as complete as possible. That's why I put a date on everything I do."[101]

Artistic legacy[edit]

Postage stamp, USSR, 1973. Picasso has been honoured on stamps worldwide.

Picasso's influence was and remains immense and widely acknowledged by his admirers and detractors alike. On the occasion of his 1939 retrospective at MoMA, Life magazine wrote: "During the 25 years he has dominated modern European art, his enemies say he has been a corrupting influence. With equal violence, his friends say he is the greatest artist alive."[102] Picasso was the first artist to receive a special honour exhibition at the Grand Gallery of the Louvre Museum in Paris in celebration of his 90 years.[103] In 1998, Robert Hughes wrote of him: "To say that Pablo Picasso dominated Western art in the 20th century is, by now, the merest commonplace. ... No painter or sculptor, not even Michelangelo, had been as famous as this in his own lifetime. ... Though Marcel Duchamp, that cunning old fox of conceptual irony, has certainly had more influence on nominally vanguard art over the past 30 years than Picasso, the Spaniard was the last great beneficiary of the belief that the language of painting and sculpture really mattered to people other than their devotees."[104]

Musée Picasso, Paris (Hotel Salé, 1659)

At the time of Picasso's death many of his paintings were in his possession, as he had kept off the art market what he did not need to sell. In addition, Picasso had a considerable collection of the work of other famous artists, some his contemporaries, such as Henri Matisse, with whom he had exchanged works. Since Picasso left no will, his death duties (estate tax) to the French state were paid in the form of his works and others from his collection. These works form the core of the immense and representative collection of the Musée Picasso in Paris. In 2003, relatives of Picasso inaugurated a museum dedicated to him in his birthplace, Málaga, Spain, the Museo Picasso Málaga.

Museu Picasso is located in the gothic palaces of Montcada street in Barcelona

The Museu Picasso in Barcelona features many of his early works, created while he was living in Spain, including many rarely seen works which reveal his firm grounding in classical techniques. The museum also holds many precise and detailed figure studies done in his youth under his father's tutelage, as well as the extensive collection of Jaime Sabartés, his close friend and personal secretary.

Guernica was on display in New York's Museum of Modern Art for many years. In 1981, it was returned to Spain and was on exhibit at the Casón del Buen Retiro of the Museo del Prado. In 1992, the painting was put on display in the Reina Sofía Museum when it opened.

It was announced on 22 September 2020 that the project for a new Picasso Museum due to open in Aix-en-Provence in 2021, in a former convent (Couvent des Prêcheurs), which would have held the largest collection of his paintings of any museum, had been scrapped due to the fact that Catherine Hutin-Blay, Jacqueline Picasso's daughter, and the City Council had failed to reach an agreement.[105]

In the 1996 movie Surviving Picasso, Picasso is portrayed by actor Anthony Hopkins.[106] Picasso is also a character in Steve Martin's 1993 play, Picasso at the Lapin Agile. In A Moveable Feast by Ernest Hemingway, Hemingway tells Gertrude Stein that he would like to have some Picassos, but cannot afford them. Later in the book, Hemingway mentions looking at one of Picasso's paintings. He refers to it as Picasso's nude of the girl with the basket of flowers, possibly related to Young Naked Girl with Flower Basket. On 8 October 2010, Picasso: Masterpieces from the Musée National Picasso, Paris, an exhibition of 150 paintings, sculptures, drawings, prints and photographs from the Musée National Picasso in Paris, opened at the Seattle Art Museum, Seattle, Washington, US. The exhibition subsequently travelled to the Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Virginia: the M.H. de Young Memorial Museum, San Francisco, California, US.;[107] the Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia;[108] and the Art Gallery of Ontario, Toronto, Ontario, Canada.

As of 2015, Picasso remained the top-ranked artist (based on sales of his works at auctions) according to the Art Market Trends report.[109] More of his paintings have been stolen than any other artist's;[110] in 2012, the Art Loss Register had 1,147 of his works listed as stolen.[111] The Picasso Administration functions as his official Estate. The US copyright representative for the Picasso Administration is the Artists Rights Society.[112]

Picasso is played by Antonio Banderas in the 2018 season of Genius, which focuses on his life and art.

The Basel vote[edit]

The Kunstmuseum Basel

In the 1940s, a Swiss insurance company based in Basel had bought two paintings by Picasso to diversify its investments and serve as a guarantee for the insured risks. Following an air disaster in 1967, the company had to pay out heavy reimbursements. The company decided to part with the two paintings, which were deposited in the Kunstmuseum Basel. In 1968, a large number of Basel citizens called for a local referendum on the purchase of the Picassos by the Canton of Basel-Stadt, which was successful, making it the first time in democratic history that the population of a city voted on the purchase of works of art for a public art museum.[113] The paintings therefore remained in the museum in Basel. Informed of this, Picasso offered three paintings and a sketch to the city and its museum and was later made an honorary citizen by the city.[114]

Auction history[edit]

Pablo Picasso, 1905, Garçon à la pipe, (Boy with a Pipe), private collection, Rose Period

Several paintings by Picasso rank among the most expensive paintings in the world. Garçon à la pipe sold for US$104 million at Sotheby's on 4 May 2004, establishing a new price record. Dora Maar au Chat sold for US$95.2 million at Sotheby's on 3 May 2006.[115] On 4 May 2010, Nude, Green Leaves and Bust was sold at Christie's for $106.5 million. The 1932 work, which depicts Picasso's mistress Marie-Thérèse Walter reclining and as a bust, was in the personal collection of Los Angeles philanthropist Frances Lasker Brody, who died in November 2009.[116] On 11 May 2015 his painting Women of Algiers set the record for the highest price ever paid for a painting when it sold for US$179.3 million at Christie's in New York.[117]

On 21 June 2016, a painting by Pablo Picasso titled Femme Assise (1909) sold for £43.2 million ($63.4 million) at Sotheby's London, exceeding the estimate by nearly $20 million, setting a world record for the highest price ever paid at auction for a Cubist work.[118][119]

On 17 May 2017, The Jerusalem Post in an article titled "Picasso Work Stolen By Nazis Sells for $45 Million at Auction" reported the sale of a portrait painted by Picasso, the 1939 Femme assise, robe bleu, which was previously misappropriated during the early years of WWII. The painting has changed hands several times since its recovery, most recently through auction in May 2017 at Christie's in New York City.[120]

In March 2018, his Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937), a portrait of Marie-Thérèse Walter, sold for £49.8m at Sotheby's in London.[121]

Personal life[edit]

Throughout his life Picasso maintained several mistresses in addition to his wife or primary partner. Picasso was married twice and had four children by three women:

- Paulo (4 February 1921 – 5 June 1975, Paul Joseph Picasso) – with Olga Khokhlova

- Maya (born 5 September 1935, Maria de la Concepcion Picasso) – with Marie-Thérèse Walter

- Claude (born 15 May 1947, Claude Pierre Pablo Picasso) – with Françoise Gilot

- Paloma (born 19 April 1949, Anne Paloma Picasso) – with Françoise Gilot

Photographer and painter Dora Maar was also a constant companion and lover of Picasso. The two were closest in the late 1930s and early 1940s, and it was Maar who documented the painting of Guernica.

The women in Picasso's life played an important role in the emotional and erotic aspects of his creative expression, and the tumultuous nature of these relationships has been considered vital to his artistic process. Many of these women functioned as muses for him, and their inclusion in his extensive oeuvre granted them a place in art history.[122] A largely recurring motif in his body of work is the female form. The variations in his relationships informed and collided with his progression of style throughout his career. For example, portraits created of his first wife, Olga, were rendered in a naturalistic style during his Neoclassical period. His relationship with Marie-Thérèse Walter inspired many of his surrealist pieces, as well as what is referred to as his "Year of Wonders".[123] Reappearance of acrobats theme in 1905 put an end to his "Blue Period" and transitioned into his "Rose Period". This transition has been incorrectly attributed to the presence of Fernande Olivier in his life.[124]:75

Picasso has been commonly characterised as a womaniser and a misogynist, being quoted as having said to one of his mistresses, Françoise Gilot, "Women are machines for suffering."[125] He later told her, "For me there are only two kinds of women: goddesses and doormats."[126] In her memoir, Picasso, My Grandfather, Marina Picasso writes of his treatment of women, "He submitted them to his animal sexuality, tamed them, bewitched them, ingested them, and crushed them onto his canvas. After he had spent many nights extracting their essence, once they were bled dry, he would dispose of them."[127]

Of the several important women in his life, two, Marie-Thèrése Walter, a mistress, and Jacqueline Roque, his second wife, died by suicide. Others, notably his first wife Olga Khokhlova, and his mistress Dora Maar, succumbed to nervous breakdowns. His son, Paulo, developed a fatal alcoholism due to depression. His grandson, Pablito, also died by suicide that same year by ingesting bleach when he was barred by Jacqueline Roque from attending the artist's funeral.[125]

Catalogue raisonné[edit]

Picasso entrusted Christian Zervos to constitute the catalogue raisonné of his work (painted and drawn). The first volume of the catalogue, Works from 1895 to 1906, published in 1932, entailed the financial ruin of Zervos, self-publishing under the name Cahiers d'art, forcing him to sell part of his art collection at auction to avoid bankruptcy.[128][129]

From 1932 to 1978, Zervos constituted the catalogue raisonné of the complete works of Picasso in the company of the artist who had become one of his friends in 1924. Following the death of Zervos, Mila Gagarin supervised the publication of 11 additional volumes from 1970 to 1978.[130]

The 33 volumes cover the entire work from 1895 to 1972, with close to 16,000 black and white photographs, in accord with the will of the artist.[131]

- 1932: tome I, Œuvres de 1895 à 1906. Introduction p. XI–[XXXXIX], 185 pages, 384 reproductions

- 1942: tome II, vol.1, Œuvres de 1906 à 1912. Introduction p. XI–[LV], 172 pages, 360 reproductions

- 1944: tome II, vol.2, Œuvres de 1912 à 1917. Introduction p. IX–[LXX–VIII], 233 p. pp. 173 to 406, 604 reproductions

- 1949: tome III, Œuvres de 1917 à 1919. Introduction p. IX–[XIII], 152 pages, 465 reproductions

- 1951: tome IV, Œuvres de 1920 à 1922. Introduction p. VII–[XIV], 192 pages, 455 reproductions

- 1952: tome V, Œuvres de 1923 à 1925. Introduction p. IX–[XIV], 188 pages, 466 reproductions

- 1954: tome VI, Supplément aux tomes I à V. Sans introduction, 176 pages, 1481 reproductions

- 1955: tome VII, Œuvres de 1926 à 1932. Introduction p. V–[VII], 184 pages, 424 reproductions

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- 1978: Catalogue raisonné des œuvres de Pablo Picasso, Paris, éditions Cahiers d'art[132]

Further publications by Zervos

- Picasso. Œuvres de 1920 à 1926, Cahiers d'art, Paris

- Dessins de Picasso 1892–1948, Paris, éditions Cahiers d'art, 1949

- Picasso. Dessins (1892–1948), Hazan, 199 reproductions, 1949

See also[edit]

- List of Picasso artworks 1901–1910

- List of Picasso artworks 1911–1920

- Neoclassicism

- Picasso's written works

Notes and references[edit]

Notes[edit]

1. ^ Jump up to:a b Picasso's full name includes various saints and relatives. According to his birth certificate, issued on 28 October 1881, he was born Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.[2] According to the record of his baptism, he was named Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Cipriano (other sources: Crispiniano) de la Santísima Trinidad María de los Remedios Alarcón y Herrera Ruiz Picasso.[3][2][4] He was named Juan Nepomuceno after his godfather, a lawyer, friend of the family, called Juan Nepomuceno Blasco y Barroso.[2] He was named Crispín Cipriano after the twin saints celebrated on 25 October, his birth date.[3] Nepomuceno's wife and Picasso's godmother, María de los Remedios Alarcón y Herrera, was also honored in Picasso's baptismal name.[2]

2. ^ His name is pronounced UK: /ˈpæbloʊ pɪˈkæsoʊ/, US: /ˈpɑːbloʊ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæs-/,[5][6][7] or Spanish: [ˈpaβlo piˈkaso].

3. ^ Though baptized a Catholic, Picasso would later become an atheist.[15]

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